Netinho Maia

Again

2012-02-16T23:30:00.000-02:00

"Sem título", Staedtler Trilplus Fineliner e spray sobre skethbook.

Em momentos de desespero, o importante é dar o primeiro passo, mesmo quando ele parece te levar ao abismo.
Parece loucura ir em direção ao olho do furacão, mas, por mais estranho que pareça, é necessário fazer isto. Enfrentar os desafios é um mal necessário. Doloroso, maçante, sofrido, mas necessário.

Por isso, depois de alguns dias de novos vendavais, o bom filho retorna humildemente a sua casa. As aporias, contudo, não desapareceram por completo. Por completo? Quanto positivismo! Ao contrário, elas nunca desaparecem. Quando uma vai embora, sempre surge uma nova no lugar.

Por vezes eu me peguei pensando sobre o esforço demandado – por mais que não aparente – para manter a página sempre atualizada. A exposição virtual dos pensamentos verbais e visuais exige um tempo que nem sempre se encontra disponível, e a lógica de um blog, como todos sabem, é pautada nas postagens constantes. Afinal, para que voltar a um lugar que já se sabe exatamente o que vai encontrar?

Mas aconteceu algo engraçado estes dias. Em pouco mais de uma semana eu ouvi de umas 4 ou 5 amigos totalmente diferentes o mesmo comentário: “você não atualiza o blog faz tempo, hein?!”. A frase não era exatamente esta, mas o que importa é que, independente de qualquer coisa, tem sempre alguém voltando a este recinto por algum motivo. E isto me fez refletir sobre a maneira como estou organizando meu tempo.

Examinando um pouco melhor a situação, percebi que a maior lição que venho tirando da vida é que o bom mesmo é ter dúvidas, porque são elas que nos levam – ou pelo menos deveriam levar – a fazer escolhas, a arriscar e a lutar pelo que queremos. Quando aquele friozinho na barriga oriundo da hesitação do “fazer ou não fazer, eis a questão” nos incomoda a ponto de quase desistirmos, esta é a hora de olhar para frente e dar a cara à tapa com um novo primeiro passo em direção ao desconhecido.

É um mal do ser humano achar que no futuro as coisas estarão melhores, que no futuro terão a vida que gostariam de ter, que no futuro terão tempo para fazer o que não podem – sabe-se lá o porquê – fazer hoje. Eu prefiro ser mais dramático: se no futuro eu estiver morto, não aproveitarei o tempo que há de vir e tão pouco o tempo que estou vivendo.

Portanto, enquanto eu achar que vale a pena gasta, que vale o lápis apontado, que vale a tinta pincelada ou até a cola ressecada em um trabalho em que deu tudo errado, não me darei por vencido e retornarei a batalha. Contudo, não posso e não vou fazer previsões ou promessas, pois a impossibilidade de respostas claras só demonstra que no embate entre o certo e o duvidoso, a melhor opção, muitas vezes, está na segunda opção.

Pensamento da semana

2012-01-22T23:50:00.000-02:00

“Todas as linhas de estudo do fenômeno artístico – sejam por meio da sociologia da arte, da psicologia, da história da arte e até mesmo da biografia do artista – são conhecimentos sempre parciais. A leitura de uma obra de arte se dá por camadas, níveis, filtros esclarecedores; são aproximações que nos revelam muitas faces da arte.”

Rui de Oliveira, em Pelos Jardins Boboli – reflexões sobre a arte de ilustrar livros para crianças e jovens.

Em processo: descorticação orbital (parte 2)

2012-01-21T20:30:00.000-02:00

Ainda no processo de conclusão da terceira gravura, abaixo pode-se ver a matriz já entintada, o que permitiu visualizar de maneira mais clara como ficaria a cópia depois de impressa.

Como já disse anteriormente, o fato de eu não ter desenhado em toda a matriz dificulta o entendimento do desenho, mas, mesmo assim, o resultado ficou de acordo com o esperado, e pode visto na gravura abaixo.

A ideia era obter uma imagem com bastante contraste, de modo que houvesse poucas hachuras e sombreados entre o claro e o escuro. Quanto a descorticação, a escolha pela região ocular no local de maior sombra deixou, na imagem, um ar mais sombrio, e o sorriso malicioso, um certo sarcasmo.

Eu aproveitei ainda, assim como nas outras gravuras já mostradas, o fundo chapado da madeira para compor o trabalho. Por isso, como eu havia planejado, não lixei muito bem a matriz para que os veios da madeira ficassem bem evidentes.

Na próxima e última xilogravura que mostrarei, feita no lado oposto desta, o fundo foi completamente retirado e o trabalho, mesmo seguindo a mesma série de imagens, ficou bem diferente. Mas comentarei sobre ela sem pressa um pouco mais para frente...

Devaneios Submersos

2012-01-20T17:31:00.000-02:00

O sonho, independente da época observada, sempre foi palco de grandes mistérios para o ser humano. Filósofos, psicólogos ou psiquiatras desenvolveram ao logo da história teorias das mais diversas para explicar ou entender o que se passa durante o período em que fechamos os olhos e ficamos reclusos no universo do inconsciente.

Para mim, dormir sempre foi um grande problema. Desde criança eu tive problemas para lembrar o que acontecia durante as noites, sendo que em algumas delas eu até achava que havia sonhado com algo, mas nunca conseguia saber exatamente com o quê. Isso me levou – já há muito tempo – a pesquisar sobre o assunto, descobrindo que existem duas teorias a essa perda das lembranças oníricas. Uma delas diz que nós sonhamos todas as noites, mas algumas pessoas não conseguem registrar isto de maneira consciente e, quando acordam, esquecem com o que sonharam. A outra, diz que para sonharmos, precisamos entrar no quinto estágio do sono, o chamado sonho REM (Rapid Eye Movement, ou Movimento Rápido dos Olhos, em português), que só é alcançado quando o corpo está completamente relaxado. Logo, se por qualquer motivo físico, como o cansaço, ou psicológico, como o estresse, o indivíduo não chegar ao sono REM, ele não seria capaz de sonhar e, por isso, não teria lembrança nenhuma ao acordar.

É bem possível que estas teorias até se complementem, o que não posso afirmar, já que não sou nenhum conhecedor profundo do assunto. Seja como for, talvez por isso eu tenha me tornado, desde criança, tão sonhador – mas dos que sonham acordado, e não dormindo.

Ultimamente, entretanto, eu acordo sabendo que estava em uma viagem profunda e inquietante, daquelas que se fossem contadas em um filme, fariam o personagem acordar suado e ofegante. Eu até tento, mas não consigo me lembrar do que sonhei. Assim, refletindo sobre as várias noites conturbadas, de sonhos estranhos que desaparecem da memória ao despertar, comecei uma série de trabalhos sobre o tema, ainda muito prematuros, que, por hora, chamei de “Devaneios Submersos”.

Partindo de algumas imagens mentais e fotográficas, a ideia era relacionar a profundidade inconsciente com algo que envolvesse também grandes mistérios a serem descobertos. Para tanto, pensei no mar e nos seres que nele habitam para traçar essa relação.

A profundidade submarina apresenta tantos mistérios quanto à interioridade da mente. Quanto mais submerso, menos explorados são os mares, pois a pressão da água é tão forte impede que o homem obtenha qualquer registro mais preciso do que lá existe.

Assim, pautado em tais enigmas, resolvi trabalhar com os dois temas de modo conjunto, e concluí um primeiro estudo recentemente, e as imagens acima mostram partes deste processo. A primeira, o desenho somente em grafite e a segunda, já com o nanquim reforçando algumas linhas. Abaixo, o resultado final deste primeiro teste em aquarela e nanquim, que ainda tem muito a ser desenvolvido.

Não sei ainda se a ideia será trabalhada em aquarela ou alguma outra tinta, em grafite, nanquim, pastel, ou em todas elas. Vou apenas experimentar e permitir que o inconsciente se manifeste e se torne consciente através de linhas, forma, manchas e cores da maneira que ele achar melhor.

Retrospectiva 2011 (parte 3)

2012-01-17T22:10:00.000-02:00

Outros dois sketches perdidos – ou achados – do caderninho de bolso.

Para variar, estes foram feitos fora de casa, já que eu não costumo desenhar no sketchbook pequenino quando tenho a opção de usar um caderno maior, com papel mais pesado e com mais materiais disponíveis.

Apesar de não estarem em páginas consecutivas, resolvi postar os dois desenhos juntos apenas porque são de partes do corpo, mesmo não tendo uma relação mais íntima entre eles.

O primeiro foi feito durante uma aula do semestre passado a partir de um flyer de uma festa que peguei em um mural da própria universidade. Como o achei muito interessante, acabei reproduzindo de maneira simplificada a mão enrolada com fica adesiva e colada na parede branca ao fundo.

Já o segundo foi um estudo rápido de expressão do olhar feito no metrô. Nesta página eu comecei as anotações de uma aula de anatomia que acabou não rolando e, aproveitando o espaço em branco logo abaixo, desenhei este olho solitário e triste a observar sabe-se lá o quê. Eu até pensei em apagar as poucas palavras acima, mas para quê? Achei desnecessário acabar com a confusão e tudo ficou como está.

Mais uma vez a falta de maiores informações me impediram de lembrar exatamente para onde eu estava indo. Mas, seja como for, o importante é que eu fui e aproveitei bem o meu tempo.

Puro sangue

2012-01-16T23:55:00.000-02:00

“Há males que vêm para o bem”, já dizia o ditado. No meu caso, não sei se veio exatamente para o bem, mas sei que foi, no mínimo, divertido.

Enquanto assistia a uma aula de Psicologia da Educação no semestre passado, eu tentei aproximar a mesa que faz parte da cadeira universitária do encosto (que, teoricamente, seria móvel) para ficar mais confortável. O problema é que a mesa estava emperrada, e quando ela resolveu se mexer foi só pra arrancar a lateral do meu dedo...

Claro que não foi nada demais, mas como minha mão não parava de sangrar, comecei a viajar e a usar o caderninho de bolso para registrar de uma forma diferente a minha interioridade.

"Sem título", sangue acidental sobre sketchbook.

Trocadilhos a parte, enquanto fazia este “desenho” com manchas, lembrei-me do genial Yves Klein, um artista francês que é considerado um dos precursores da arte contemporânea. Dentre os seus trabalhos, os da série Anthropométrie estão entre os que eu mais gosto. São pinturas performáticas em que o artista entintava o corpo de mulheres nuas (ou pedia para que elas se pintassem) e depois fazia com que elas encostassem em telas brancas de acordo com a sua orientação. O resultado é magnífico, como mostrado abaixo.

Yves Klein, "Anthropométrie sans titre", 1960 (detalhe)

É claro que a ideia era muito mais complexa do que parece, e isto pode ser notado a partir do vídeo abaixo que mostra mais ou menos como ele trabalhava.

Na falta de mulheres nuas no meio da aula para a realização desta atividade lúdica, tive que me virar sozinho. Mas que fique aqui registrado o meu descontentamento com tamanho absurdo e revolta contra este ensino tradicionalista e ultrapassado...

Pensamento da semana

2012-01-15T08:00:00.000-02:00

"Não é um milagre a integração dos olhos no rosto do homem? Existe algo que possa ser um equilíbrio entre dimensão física e espiritual; volumes e superfícies, cores e formas encontram-se compensados pelos olhos, não pelo que os olhos são, mas pelo que os olhos fazem."

Eduardo Chillida, escultor.

Em processo: descorticação orbital (parte 1)

2012-01-14T16:10:00.000-02:00

Nesta terceira xilogravura da série que produzi há pouco tempo, a temática continuou a mesma, o que não é novidade, mas a matriz foi diferente.

Nas últimas duas xilos, eu trabalhei com cedrana e utilizei os dois lados da mesma madeira, como já disse. Percebi, então, que ela é bastante rígida, com muitos veios escuros que mudam a rota da goiva durante a gravação e, por isso, certos detalhes muito pequenos necessitam de uma precisão absurda para serem alcançados. E mesmo assim, de vez em quando, a ferramenta segue a fibra da madeira e o detalhe que se queria, já era...

Desta vez, a matriz foi de cedro, uma madeira mais nobre, mais “macia” (este não é bem o termo, mas na falta de um melhor, vai este mesmo), com fibras mais suaves e com menos contraste entre elas e a cor da madeira, o que possibilita um desenho mais limpo, apesar de sua cor mais escura se comparada a cedrana. Abaixo, uma foto do prancha de cedro ainda antes de ser lixada.

Neste trabalho, eu não fiz nenhum estudo prévio para a imagem a ser gravada. Contrariando tudo o que aprendi, peguei o lápis e, partindo de uma foto qualquer encontrada no meu banco de dados – ou de imagens –, esbocei diretamente na matriz. O problema de se fazer isso é que se o trabalho for muito delicado, o próprio traço do lápis pode danificar a superfície deixando algum baixo-relevo indesejado, pois para ser riscado o grafite necessita ser pressionado sobre a superfície. Por isso, desenhei com um lápis bem macio (8B, se não me falha a memória) e, posteriormente, cobri o desenho com uma caneta de ponta porosa, como mostra a imagem abaixo.

A caneta de ponta porosa é um tipo de caneta semelhante à hidrocor (ou canetinha, como é mais conhecida), em que não é necessário fazer pressão no ato do desenho. Neste caso, a caneta que eu usei foi a base de álcool, ao contrário da hidrocor que, como o nome já sugere, é a base d’água. A vantagem dela é evitar que o desenho borre ou saia na mão durante o processo de gravação, o que não é nada divertido.

Eu cobri as linhas principais com uma caneta escura e com uma caneta vermelha delimitei o espaço aonde queria o desenho chapado. O certo seria cobrir com a caneta preta toda a área que não seria gravada, como se já estivesse passando a tinta para a impressão. Como mostrado acima, é totalmente desaconselhável, pois torna-se mais complicado o entendimento do desenho, além de aumentar a chance de erros no momento da subtração com as goivas. Como a madeira não permite erros, cortar no lugar errado é sinônimo de mais trabalho para modificar toda a gravação no meio do processo.

Na próxima postagem eu falarei um pouco mais da escolha do desenho, mostrarei a matriz entintada e a finalização do processo com a cópia impressa.

Tons de pele

2012-01-12T22:08:00.000-02:00

Estudo simples de tons de pele em aquarela sobre moleskine.

Os rostos não foram desenhados buscando a proporção real. Pelo contrário, o esboço rápido os deixou mais caricatos, com os olhos ou os lábios, por exemplo, um pouco exagerados, mesmo não sendo de maneira absurda.

O objetivo era realmente entender a relação entre as cores, como elas se misturam, como se complementam, como se sobrepõem em camadas, etc., além da diferença ente os tons de pele clara e escura. Este deve ser um exercício constante para o artista para que a execução de cada trabalho seja cada vez mais rápida.

Quando eu fiz a disciplina de Ilustração Científica, o professor sempre dizia que ao olhar para uma folha de uma árvore, automaticamente o ilustrador deveria saber quais tons (e quantidade) de amarelo e azul deveriam ser misturados para se alcançar a cor observada. Aqui a ideia é a mesma, mas com o foco na face humana, que é mais a minha praia. Como eu sei que eu estou longe disso, o jeito é continuar praticando. Ainda bem que, para mim, isto não é nenhum sacrifício...

Retrospectiva 2011 (parte 2)

2012-01-10T23:55:00.000-02:00

Mais duas páginas do sketchbook de bolso que estavam esquecidas pelo meio do caderninho que está quase no fim.

É engraçado porque a falta de informações não permite lembrar exatamente o contexto em que cada desenho foi feito. Claro que o fato de a área desenhável ser pequena influencia na decisão de rabiscar, escrever ou fazer as duas coisas juntas.

Páginas abertas do sketchbook.

Na página da esquerda, eu reconheço o lugar, que é a vista de uma das paradas em frente à reitoria da UnB, e a data, dia 6 de abril de 2011.

Página esquerda do sketchbook

Mas a da direita, que é um desenho feito apenas dentro de um ônibus e sem alterações posteriores, eu já não lembro muita coisa. Recordo apenas que o fiz em outro dia, indo para algum lugar que não era minha casa, e que o “modelo” estava dormindo profundamente.

Página direita do sketchbook.

Que bom que as coisas importantes ficam guardadas na memória por um tempo mais longo – ou pelo menos deveriam ficar – ao contrário dos acontecimentos cotidianos que vão se perdendo com mais facilidade. Seja como for, tentar recordá-las é um bom exercício para a cachola. No caso do desenho dentro do ônibus, lembro que o cara ficou na mesma posição por mais ou menos uns 10 minutos, que tinha uma mulher sentada do meu lado espiando de rabo de olho, e que o ônibus era barulhento, estava sujo e balançava muito – se bem que esta última parte é desnecessária, já que qualquer pessoa que anda de ônibus em Brasília sabe perfeitamente disto, e esquecer é quase impossível...

2,5 mg de diazepam

2012-01-09T23:50:00.000-02:00

"Sem título", nanquim e acrílica sobre moleskine.

Este, para mim, foi um trabalho totalmente inusitado, terminando muito diferente - e muito depois - do planejado.

Não era para ocupar duas páginas, para ter cor e muito menos para apresentar qualquer elemento que fugisse de um simples autorretrato. Eu comecei desenhando e, ao passar a caneta nanquim por cima do grafite, descobri o que eu não queria ter descoberto: eu não estava ali!

Bom, eu acho que o olhar e a parte da boca e do queixo até lembram um pouco as minhas feições, mas eu achei o desenho péssimo e a minha vontade depois de vê-lo pronto foi de rasgar e começar tudo de novo. Entretanto, fazer isto com um sketchbook costurado é quase impossível por dois motivos: primeiro, porque isso altera a constituição do caderno, podendo soltar uma página já trabalhada; e depois, porque, neste caso, se trata de um Moleskine (mesmo não tendo sido feito por mim e não sendo tão pessoal, só o fato de ser um Moleskine já dispensa comentários...).

Mas além disso, há também o fato do artista ter de se acostumar com seus erros e aprender a contornar e aproveitar cada falha de uma maneira positiva. Assim sendo, este desenho ficou dias parado no caderno, e enquanto eu estava puto com ele – ou comigo mesmo –, o sketchbook ficou fechado e isolado na estante, esperando o momento em que eu decidisse o que iria fazer. Então, certo dia eu estava olhando um livro “monstro” sobre emergências médicas – que comprei em um sebo (por um valor irrisório) para recortar ou desenhar diretamente em suas páginas –, e encontrei essas imagens que achei bem interessantes.

Alguns dos recortes me atraíram primeiramente pelo apelo estético. Mas outros eu achei interessante à relação entre a imagem e a legenda. No que foi colado na parte inferior do rosto, a legenda eu coloquei na vertical e diz o seguinte:

Fig. 23.1 EEG [eletroencefalografia] apresentando descargas espiculares generalizadas, notando-se a normalização do traçado após 20 segundos de injeção de 2,5 mg de diazepam IV.

Neste momento, sim, eu achei que o trabalho fez todo sentido, porque pesquisando sobre o fármaco citado, descobri que, basicamente, ele é usado como tranquilizante. No meu caso, eu precisei de vários dias de distanciamento para poder pensar no desenho com serenidade e para olhá-lo sem nenhum pesar ou ar de reprovação. No entanto, se eu tivesse uma ampola de diazepam em casa, talvez esse tempo de espera tivesse sido bem mais curto. (Hum, vou pensar melhor na ideia...).

Brincadeiras a parte, depois de coladas as imagens a conclusão do trabalho foi quase que imediata, e o resultado, mesmo eu não tendo ficado completamente satisfeito, bem melhor do que a primeira tentativa.

Pensamento da semana

2012-01-08T23:50:00.000-02:00

Quem teve a ideia de cortar o tempo em fatias, a que se deu o nome de ano, foi um indivíduo genial.

Industrializou a esperança, fazendo-a funcionar no limite da exaustão.

Doze meses dão para qualquer ser humano se cansar e entregar os pontos.
Aí entra o milagre da renovação e tudo começa outra vez, com outro número e outra vontade de acreditar que daqui pra diante vai ser diferente.

É, para o primeiro “pensamento da semana” eu não escolhi algo relacionado com a arte, como de costume. Escolhi um poema (apocrifamente atribuído à Drummond) que, acredito, ainda casa bem com o momento: o início de um longo ano que vem pela frente.

Que seja, então, não apenas mais um período de revolução da terra ao redor do sol, mas também, de evolução pessoal em torno dos mais íntimos desejos de cada um.

Comecemos, seja com o pé direito ou esquerdo, comecemos. Afinal, a caminhada precisa sempre dos dois passos, e o destino só se alcança andando, acertando, errando e recomeçando...

Boa semana a todos!

More skull

2012-01-07T19:34:00.000-02:00

Para não perder o costume, um pouquinho mais de caveiras (eu não me canso delas!). Mas, desta vez, a representação foi feita na técnica da xilogravura, a segunda tentativa depois da que mostrei por último aqui no blog.

Nesta xilo, porém, eu não registrei o processo completo, pois por conta do prazo de entrega tive de fazê-la correndo. Eu comecei e terminei praticamente só na faculdade.

A gravação foi feita no verso da matriz da primeira xilo, uma cedrana no tamanho de 14 x 19 cm. O registro que ficou, além da cópia impressa, é o da matriz depois de gravada e entintada, mostrada abaixo.

A impressão ficou, como de costume, invertida, e foi feita apenas com tinta preta. Eu não cheguei a fazer uma série da mesma, mas esta foi uma das melhores cópias tiradas, sem borrões e nem tinta em excesso, o que possibilitou a visualização dos veios da madeira no fundo chapado, como eu imaginei que ficaria enquanto estava gravando.

Apesar da rapidez da gravação, o resultado final ficou bem melhor do que a gravura anterior, já que eu consegui um maior nível de detalhes com mais qualidade. No entanto, como a matriz utilizada era a mesma da primeira, até o momento da conclusão do trabalho eu não tinha como dizer se algumas das minhas dificuldades eram por inexperiência ou por conta da resistência que cada tipo de madeira apresenta – ou pelos dois motivos. Somente quando fiz as gravuras seguintes eu pude tirar minhas conclusões. Mas isto eu deixo para falar em outra postagem.

Mais profundo

2012-01-06T05:41:00.000-02:00

"Sem título", nanquim e aquarela sobre moleskine, 2012.

“De todos os órgãos essenciais à vida, o coração há muito que ocupa uma posição única na nossa história cultural, sendo considerado a sede da alma, do amor, dos sentimentos e do espírito.” (Encyclopaedia Anatomica).

Testando alguns materiais novos e estimulado pela frase acima, aproveitei para experimentar algo mais interior e resolvi estudar o coração. O engraçado é que só depois que terminei me dei conta de que o trabalho ficou, de certa forma, parecido com o cabeçalho do blog.

Pode ser só coincidência, mas pode ser também alguma daquelas coisas que o coração fala em silêncio e que as palavras não sabem traduzir...

Retrospectiva 2011 (parte 1)

2012-01-04T23:45:00.000-02:00

Chafurdando nos arquivos “ocultos” (ocultos porque alguns deles nem eu mesmo lembrava que existiam), achei algumas coisas que fiz no período em que não postei nada, e resolvi coloca-las na xinxa.

Estes mini desenhos foram feitos no sketchbook de bolso (5,5 x 7,5 cm) nos dois dias em que eu trabalhei no Enem (mas eu juro que eu fiz a minha parte e não tenho nada a ver com todos aqueles problemas que envolveram o concurso).

Página esquerda do sketchbook.

As duas páginas foram feitas sem nenhuma referência fotográfica, uma em cada dia, em que eu me preocupei apenas (como dizem por aí) em ficar “lambendo” o desenho, ou seja, desenhando sem pressa, cuidadosamente, com muitos detalhes como luzes e sombras e diferentes tipos de hachuras.

Página direita do sketchbook.

Aqui ficou bastante claro que o tempo que eu gastei em cada um deles não foi garantia para a produção de ótimos desenhos. Mas como o resultado final para mim não importava muito, o que eu realmente desejava era arranjar alguma atividade para passar o tempo e que não me deixasse dormir no ambiente de prova.

Páginas abertas do sketchbook.

Moral da história: lamber sempre ajuda, mas só isto não garante muita coisa...

Sentindo na pele

2012-01-03T23:50:00.000-02:00

"Sem título", grafite sobre papel, 2011.

Ainda na ideia de arrumar e personalizar a casa, começo o ano com um autorretrato simples para acrescentar ao perfil do blog – e das outras redes também – utilizando o rei-dos-reis dos materiais, o mais banal e, entretanto, o que nunca te abandona: o velho e bom grafite.

Experimente na própria pele, mesmo que ainda de leve, o trabalho de descorticação que já venho fazendo há um tempo e gostei do resultado. Essa já era uma vontade antiga que, não sei o porquê, eu não havia colocado em prática.

Seja como for, espero este seja o primeiro estímulo para a produção de um autorretrato em tela seguindo esta mesma poética, mas bem mais detalhado e visceral, claro...

Ano novo, blog novo!

2012-01-01T23:30:00.000-02:00

Ho ho ho...
Tudo bem, é um pouco tarde para desejar um Feliz Natal. Mas ainda está em tempo de desejar a todos um feliz 2012!

Tudo o que pretendemos para o ano que se inicia é, de alguma forma, consequência da retrospectiva que fazemos em relação ao ano que se finda. Cada um dos nossos sonhos, desejos e anseios é também o resultado do que não fizemos, do que fizemos de errado, ou do que começamos a fazer, mas não terminamos. Lembrei-me de um antigo provérbio chinês que dizia: “há três coisas na vida que nunca voltam atrás: a flecha lançada, a palavra pronunciada e a oportunidade perdida”. No meu caso, eu acrescentaria mais uma: a ideia esquecida.

Muitas das ideias que pareciam “geniais” no momento em que passaram pela minha mente, não foram aproveitadas no momento oportuno e acabaram se perdendo. Por isso, depois de um longo período de incapacidade produtiva, percebi – mais uma vez – que o blog é como um motor que impulsiona a produção, porque mesmo que eu não tenha certeza de quem acompanha a página – ou se alguém está realmente acompanhando –, eu acabo me sentindo na obrigação de postar alguma coisa (mesmo que esta coisa não seja nenhuma genialidade).

E para manter o recinto aquecido, a primeira atitude foi a de dar uma repaginada na aparência do site. Afinal, ano novo, blog novo! Visual mais “clean”, mais enxuto, totalmente personalizado, bem mais a minha cara. Quando eu compro um material novo ou quando faço um novo sketchbook, a vontade de rabiscar, desenhar, colar, pintar... enfim, a vontade de criar aumenta bastante. Eu espero que a vontade de postar seja semelhante com esta nova aparência.

Tenho, sim, como todo bom vivente que se preze, minhas promessas para este ano. Mas além das que já deixei bem claro – disciplina para uma maior produção e compartilhamento do que foi produzido, seja aqui ou em outras redes –, não convém citar nenhuma agora. Deixo apenas, a quem acompanha ou não este blog, o meu desejo de um ano melhor que o anterior, de mudanças constantes, cada vez mais, sempre e sempre. E para concluir este novo começo, faço minhas as palavras de Fernando (sábio) Sabino:

De tudo ficaram três coisas:

A certeza de que estamos sempre começando,
A certeza de que é preciso continuar,
E a certeza de que podemos ser interrompidos antes de terminar.

Façamos da interrupção um caminho novo,
Da queda, um passo de dança
Do medo, uma escada
Do sonho, uma ponte
Da procura, um encontro.

E assim terá valido a pena existir!

Pensamento da semana

2011-10-16T11:43:00.000-02:00

“Na historia da arte, a literatura e o conhecimento cientifico tinham identificado repertórios de conteúdos que deveríamos dominar para sermos cultos no mundo moderno. Por outro lado, a antropologia e o folclore, assim como os populismos políticos, ao reivindicar o saber e as praticas tradicionais, constituíram o universo do popular. As indústrias culturais geraram um terceiro sistema de mensagens massivas do qual se ocuparam novos especialistas: comunicólogos e semiólogos.
Tanto os tradicionalistas quanto os modernizadores quiseram construir objetos puros. Os primeiros imaginaram culturas nacionais e populares “autênticas”; procuraram preservá-las da industrialização, da massificação urbana e das influências estrangeiras. Os modernizadores conceberam uma arte pela arte, um saber pelo saber, sem fronteiras territoriais, e confiaram à experimentação e à inovação autônomas suas fantasias de progresso. As diferenças entre esses campos serviram para organizar os bens e as instituições. O artesanato ia para as feiras e concursos populares, as obras de arte para os museus e as bienais.”

Néstor Garcia Canclini, em Culturas Híbridas.

Em processo: voltando às origens (parte 2)

2011-10-14T23:31:00.000-03:00

Continuando a mostrar o processo de produção da minha primeira xilogravura que está, atualmente, quase concluída.

Primeiramente, uma foto da matriz depois de gravada. Aqui, diferente da postagem anterior, já se percebe claramente as áreas que receberam a tinta a que será transferida no momento da impressão. Neste caso, a matriz já foi usada para fazer uma cópia apenas de teste e, por isso, percebe-se o preto chapado que se contrapõe ao “branco” da madeira.

No detalhe ampliado logo abaixo, é possível notar e entender com maior clareza o processo de gravação. A parte da madeira entintada em preto é exatamente a que não foi alterada desde o início do processo de gravação. Em contrapartida, os locais em que se pode ver a madeira foram os trabalhados com as goivas, tanto que eles estão mais fundos e, por isso, o rolo usado para a impressão não transferiu a tinta.
O detalhe é interessante também para perceber os veios da madeira. Alguns deles são tão evidentes que mesmo sem querer eles acabam sendo impressos.

E, por fim, a primeira cópia impressa em papel de arroz, o mais utilizado para a impressão de gravura em madeira.

Ela é chamada de Prova de Estado (P.E.) e serve justamente para que o gravador perceba se a matriz está pronta para ser impressa definitivamente ou se ainda precisa de algum retoque.
Neste caso, eu percebi alguns erros que já corrigi na matriz mostrada, mas sei que ainda falta muita prática para que eu chegue a um resultado mais próximo do meu desenho.

Resumindo: vamos trabalhar!

Metal pesado

2011-10-13T23:31:00.000-03:00

Desenho rápido em uma página meio surrada do sketchbook.

"Sem título", técnica mista sobre sketchbook, 2011.

Eu comecei, na verdade, tentando recuperar uma tinta guache preta que virou pedra dentro do pote. Depois de muito trabalho, fui experimentar a tinta e acabei pintando um rosto que ficou um pouco turvo.

Em seguida, utilizei lápis branco em algumas regiões do papel e, nas que não pegou muito bem, utilizei um pouco de pastel, já que o pigmento se fixa rapidamente, mesmo saindo com mais facilidade depois.

Como o desenho ainda estava muito embaçado, testei um grafite para definir melhor o rosto e vi que a tonalidade era bem parecida com a da tinta, já que o lápis usado contém chumbo em sua composição. Sabendo que o metal pesado não faz nada bem para a saúde e que o corpo não consegue expeli-lo naturalmente, eu fiquei um pouco cabreiro de usar este lápis depois de descobrir sua composição.

Mas como eu sei que se eu não comer o grafite - e não pretendo fazer isso por enquanto - os problemas só virão - e se vierem - depois de muito tempo, vou tentar tomar cuidado e torcer para não virar um homem de ferro em um paletó de madeira.

Eu

2011-10-07T22:46:00.001-03:00

Há alguns dias eu vi uma imagem na capa de uma revista que achei interessante: uma mulher do Oriente Médio – não sei de qual país – com uma burca que cobria até mesmo sua sobrancelha.
Como gostei da imagem e estava com um sketchbook a mão, desenhei-a rapidamente sem muitos detalhes em uma página com algumas manchas de spray .

Este é um tema que sempre me atraiu por tratar de questões muito delicadas, como a liberdade de expressão, a ascensão e permanência de sociedades patriarcais, a repressão sofrida por tantas mulheres, etc. Isto sem falar das guerras geradas pela interferência dos países capitalistas no sistema de governo muçulmano, o que nos leva a algumas perguntas inevitáveis: até que ponto a lógica do Tio San é melhor do que a daqueles países? Será que podemos julgar uma cultura superior a outra? Impedindo que certas tradições sejam mantidas, não estaríamos fazendo hoje o mesmo que outrora se fez com os índios na colonização das Américas, por exemplo? E – talvez o ponto mais importante para mim – será que todas as mulheres são infelizes seguindo todas estas tradições?

Mas voltando a minha praia, mais de um mês depois de ter feito o sketh que já estava esquecido – e perdido – no meio do caderno, uma coincidência me chamou a atenção. Ou talvez nem seja tão coincidência assim. Como dizia um professor de outro semestre, pode ter sido o “deus do acaso” que agiu me apresentando, no dia de ontem, um poema da poetiza portuguesa Florbela Espanca que casou exatamente – pelo menos na minha cabeça – com desenho que eu já queria ter concluído.

Como a minha visão não consegue diferir muito da superficialidade que nós, ocidentais, geralmente temos deste assunto, acabei dando ênfase a um olhar reprimido e angustiado que sabemos que existe, mas que, creio eu, não é absoluto. E como registrei algumas imagens do processo, coloquei-as no meio do poema como uma forma de progressão das ideias, assim como acontece com as imagens mentais formadas pelas palavras na medida em que lemos cada verso, cada rima, cada estrofe.

Fica então como uma ilustração de uma poesia que comecei a figurar antes mesmo de conhecer.

Eu sou a que no mundo anda perdida,
Eu sou a que na vida não tem norte,
Sou a irmã do Sonho,e desta sorte
Sou a crucificada... a dolorida...

Sombra de névoa tênue e esvaecida,
E que o destino amargo, triste e forte,
Impele brutalmente para a morte!
Alma de luto sempre incompreendida!...

Sou aquela que passa e ninguém vê...
Sou a que chamam triste sem o ser...
Sou a que chora sem saber porquê...

Sou talvez a visão que Alguém sonhou,
Alguém que veio ao mundo pra me ver,
E que nunca na vida me encontrou!

Florbela Espanca, “Eu”.

Deus do acaso, a casa é sua.
Fique a vontade, permaneça o tempo que quiser... e volte sempre.

Modelo vivo

2011-10-04T23:20:00.001-03:00

Um pouquinho de modelo vivo para iniciar a semana que, pensando bem, já está quase na metade.

Continuo experimentando cores contrastantes. Neste caso, usei o verde e o azul que se aproximam em oposição ao ocre.

Gostei mais da segunda página, em que detalhei um pouco mais o rosto e as costas da modelo, dando ênfase à luz e a sombra e a outros detalhes, como as tatuagens.

Não lembro mais a duração das poses, mas pelo tipo de traço e pelo número de poses, creio que devem ter sido de 5 minutos, no máximo 10.

Pensamento da semana

2011-10-02T10:07:00.001-03:00

"Costumo dizer que a arte não revela a verdadeira realidade, como sempre se diz. No meu entender, ela inventa a realidade, uma realidade outra, que só existe ali, na obra daquele artista, e vem somar-se ao nosso universo imaginário."

Ferreira Gular, em Xilo é coisa mental (texto para o catálogo da exposição "Xilográfico", de Rubem Grilo).

Um pouco de tudo

2011-10-01T22:51:00.001-03:00

"Sem título", técnica mista sobre moleskine, 2011.

Um pouco de lápis,
Um pouco de tinta,
Um pouco de pastel,
Um pouco de carvão,
E um pouco de cor.
Há também um pouco de sanguínea,
E um pouquinho de sangue, de sentimento, de coração,
De vida e de morte.
Porque em tudo que faço pode haver um pouco de qualquer coisa,
Mas há sempre muito de mim...

Em processo: voltando às origens (parte 1)

2011-09-30T23:50:00.000-03:00

Voltar às origens.Esta é uma boa frase para se iniciar a postagem. Primeiro porque o tema é a gravura, o que se refere a um conhecimento medieval no campo artístico quase esquecido na contemporaneidade. E, segundo, porque foi uma das primeiras disciplinas que cursei na universidade.

Na época, a matéria que fiz foi Introdução a Gravura, uma disciplina que apresenta um panorama da gravura como um todo, as técnicas empregadas, os materiais necessários, os artistas mais influentes, etc. Eu até cheguei a comentar sobre o tema em duas postagens mais antigas, “Gravura: técnica medieval viva nos dias de hoje” e “Buda”, mas descrevi melhor apenas a técnica da gravação em metal. Neste semestre estou fazendo xilogravura, ou seja, apenas gravação em madeira. Assim, resolvi colocar os primeiros passos do processo que ainda está em andamento.

Mesmo quando assunto é prático, não há como fugir da teoria. Antes de mais nada, foi preciso conhecer e entender um pouco melhor sobre a matéria prima, desde o momento em que ela ainda está plantada, até quando já está cortada e pronta para ser gravada. E até nisto é preciso “tirar o escorpião do bolso”, porque seria ótimo poder pegar qualquer resto de madeira de construção para utilizar no processo. Mas, infelizmente, isto não é possível por diversos motivos: madeiras sem qualidade podem estragar as ferramentas (que também não são baratas); racham com mais facilidade, impossibilitando a impressão; dificultam o processo de gravação, tornando-o mais exaustivo e demorado; e, acima de tudo, madeiras inapropriadas aumentam a chance de acidentes, o que também não é nada interessante para o artista que pode perder o movimento parcial – ou até total – de uma das mãos.

A madeira que escolhi para começar este processo, com o qual eu não tenho muita experiência, foi a cedrana. Ela possui a vantagem de ser mais clara, facilitando a visualização do desenho, mas possui os veios um pouco escuros, o que pode se confundir com a própria imagem, além de mudar a direção do corte no momento da gravação.

Matriz para xilogravura.

Como não poderia deixar de ser, o segundo passo foi estudar e elaborar a imagem a ser gravada. O que já havia entendido na disciplina anterior é que desenho e gravura são coisas totalmente diferentes. E mais uma vez estou comprovando que isto é verdade, pois nem tudo o que se imagina e se coloca no papel pode ser feito na madeira. Deve-se desenhar já pensando no que será preciso fazer na matriz, em como cada área da imagem será gravada e até com qual ferramenta vai se trabalhar, se com o formão em formato “V”, com o formão em “U”, com as facas, etc.

Estudo para xilogravura.

Depois de feita a imagem, é preciso desenhá-la novamente na matriz, tomando cuidado para não deformá-la, pois isto também pode alterar a impressão. A grosso modo, o processo se dá mais ou menos da seguinte forma:
- desenha-se na madeira;
- com as ferramentas de corte, vai-se retirando ou subtraindo a madeira onde se desenhou, como se estivesse desenhando novamente;
- como a madeira é plana, depois de completamente gravada, passa-se tinta gráfica em toda a superfície para poder imprimir. Nos locais em que não se retirou a madeira, a tinta passará para o papel, e nos que se obteve o encavo, não;
- por fim, coloca-se o papel em cima da matriz entintada, faz-se o processo de transferência e se obtêm a imagem que foi gravada – porém, espelhada, algo semelhante ao que ocorre quando nos olhamos no espelho.

No momento, já lixei a madeira, transferi o desenho e comecei a gravar.

Processo de gravação na matriz.

A área que está rosa é apenas para eu lembrar que eu não devo alterar nada, pois a ideia é conseguir um preto mais intenso nesta região.

Quando o trabalho estiver mais adiantado – ou terminado – eu postarei outras fotos mostrando as etapas do processo até a conclusão, que é a imagem impressa.

2011-09-29T00:48:00.000-03:00

"Sem título", grafite sobre sketchbook, 5,5 x 7,5 cm, 2011.

Sketch rápido feito há alguns dias para comemorar o fim da minha pesquisa de iniciação científica. E o que tem a ver uma coisa com a outra?

Bom, na verdade, eu estava tão cansado depois da apresentação do artigo que comemorei dormindo no ônibus. Mas como eu peguei um engarrafamento de respeito por mais de uma hora e meia, depois de um tempo meu pescoço já estava doendo e eu não consegui mais dormir. Então, quando acordei, percebi que o céu estava mais cinza do que de costume e que o ar estava visível e "cheirável" (e eu não estou falando de desodorante vencido...).

Assim, acabei fazendo o desenho acima sem nenhuma pretensão, em mais ou menos 15 minutos e sem alterações posteriores.

O milagre da vida

2011-09-28T22:10:00.000-03:00

Minha sobrinha Letícia nasceu na quinta-feira passada, dia 22 de setembro de 2011, às 17h40, com 3,570 kg e 51 cm. E para não perder a tradição, terminei agora a pouco um desenho dela com apenas algumas horas de vida.

"Letícia", pastel, carvão, sépia, sanguínea e grafite sobre sketchbook, 2011.

Por conta do horário do parto, eu só pude vê-la na sexta-feira. Eu saí da universidade direto para a maternidade. O que achei interessante foi a coincidência que me fez refletir sobre diversas coisas.

Eu havia acabado de assistir a uma aula de anatomia onde passei duas horas na presença de três cadáveres – eu até cheguei a desenhar um deles sem muitas pretensões e me surpreendi com o resultado. Mas, de fato, o que não saía da minha cabeça era a seguinte questão: o que nos torna diferente de qualquer outro ser vivo do planeta?

Segundo o viés religioso, a alma seria a resposta. Mas, independe de qualquer crença, não se pode negar que a nossa capacidade intelectual é o fator que nos diferencia. Nossas estruturas internas, como órgãos, músculos e ossos são semelhantes à de vários animais. No momento em que se percebe a ausência de vida, todos são apenas matéria e nada mais.

Mas ao chegar ao hospital, a sensação foi totalmente oposta, a pesar das diversas semelhanças. Ali a vida era o mais importante: tão linda, tão serena e, ao mesmo tempo, tão frágil. Vendo e convivendo com a vida e morte, tudo parece ter um novo sentido, e algumas perguntas se tornam inevitáveis: estamos realmente preparados para o futuro? Fizemos tudo o que queríamos e o que devíamos ter feito? Lutamos, acreditamos, desejamos e realizamos nossos sonhos? E, acima de tudo, fomos capazes de amar mais do que a nós mesmos? Amar mais do que os nossos medos, receios e egoísmo nos permite?

Mesmo sendo as perguntas o motor do mundo, há certas ocasiões em que buscar respostas é necessário, mesmo que algumas delas sejam um eterno mistério.

A única certeza é que assim é a nossa existência, cheia de começos e recomeços. E enquanto uns estão partindo, outros estão chegando. Não para substituir ninguém, mas para se completar o ciclo terreno e permitir que se renove, a todo instante, o milagre da vida.

Pensamento da semana

2011-09-04T11:00:00.000-03:00

"Ao desenhar, você recorrerá a uma parte de seu cérebro que é quase sempre obscurecida pelos detalhes do cotidiano. A partir desta experiência, você desenvolverá a capacidade de perceber as coisas, sob uma nova ótica, em sua totalidade, a enxergar padrões subjacentes e possibilidades de novas combinações. Novas modalidades de raciocínio e novas maneiras de utilizar todo poder do seu cérebro lhe propiciarão acesso a soluções criativas para os seus problemas, sejam eles pessoais ou profissionais.
O ato de desenhar, embora prazeroso e gratificante, é apenas uma chave para abrir as portas de outras metas."

Betty Edwards, em Desenhando com o lado direito do cérebro.

Pavilhão João Calmon

2011-09-02T22:30:00.001-03:00

Aproveitando o horário de almoço sem almoço na UnB, passei perto de um dos prédios da ala norte e, como estava armado com dois sketchbooks e meu estojo de materiais, resolvi desenhá-lo em uma visão um pouco distante.

Primeiramente, fiz um sketch rápido no local com lápis 2H, quase imperceptível, apenas para demarcar o desenho sem forçar demais o papel.

Já em casa, redesenhei-o com caneta nanquim, corrigindo alguns detalhes e melhorando outros, sem, no entanto, buscar um traço muito preciso, já que o que pretendia era este desenho mais rápido. Por isso, podem-se perceber claramente alguns erros de perspectiva, assim como erros na própria espessura da linha. O que está mais atrás deveria ter um traço mais delicado e suave, de modo que ele se perdesse na profundidade da imagem, o que não acontece.

E, por fim, adicionei a aquarela apenas em alguns pontos para dar um efeito que gosto muito, apesar de não usar com frequência.

"Pavilhão João Calmon", nanquim e aquarela sobre sketchbook artesanal, 2011.

Escolhi apenas o céu, as nuvens e as áreas verdes da grama para pintar. O verde, inclusive, ficou propositadamente diferente na região anterior da imagem, pois ali não é bem um gramado. Está mais para um matinho sem graça e com muita terra, cheia de falhas que mostram as áreas pelas quais as pessoas mais cortam caminho.

Eu continuo achando a hora do almoço uma hora sagrada. Por isso, mesmo eu não tendo gastado muito tempo para desenhar neste horário, espero que a greve acabe e o restaurante universitário ainda abra um dia. Afinal, carregar todo o meu material exige muita energia: o que começa pesando mais ou menos 1 kg dentro da mochila no início do dia, no final parece pesar 10 vezes mais! Haja coluna...

Modelo vivo

2011-08-30T19:54:00.001-03:00

Um pouco mais de modelo vivo.

Desta vez, três poses de 15 minutos com lápis de cor no caderno artesanal tamanho A3.

Decidi praticar com cores para sair do padrão do grafite. Aos poucos, irei testando outros materiais, incluindo aquarela, que, provavelmente, será feito sem nenhum esboço prévio por conta das poses que são muito rápidas (pelo menos em se tratando de tinta).

Meu objetivo é concluir o caderno com as aulas de modelo e de anatomia até o final do semestre.
Pelos meus cálculos, faltam aproximadamente 70 páginas.
Portanto, como sempre se diz nas aulas de desenho, tenho que soltar o braço...

Multifocal (ou quase)

2011-08-25T23:50:00.013-03:00

Sketch rápido - mais ou menos 15 minutos - feito hoje no meio de uma aula.
Nenhum tema específico, apenas para passar o tempo.

"Sem título, grafite sobre sketchbook artesanal, 2011.

O engraçado é que eu até estava até prestando atenção quando comecei a desenhar. Como a aula era de psicologia e o assunto era educação, estávamos discutindo sobre os métodos de ensino e como os alunos tem meios diferentes de assimilar os conteúdos.

Então, em um dado momento, a professora disse: "...mas é assim mesmo, né, gente, às vezes a gente acha que os alunos não estão prestando atenção, estão fazendo alguma outra coisa, de cabeça baixa... Mas quando eles participam a gente vê que eles entenderam a matéria de alguma forma."

Eu não sei se isso era só para mim, ou se significava algo positivo ou negativo.
Por via das dúvidas, fiz o que era mais sensato: continuei desenhando até terminar.

Estudo para gravura (ou não)

2011-08-22T20:50:00.000-03:00

Estudo feito neste final de semana.

Inicialmente, a ideia era pensar em alguma coisa para uma futura xilogravura, mas, quando percebi, o desenho já estava com muitas hachuras que não seriam impossíveis, mas seriam muito difíceis de serem feitas na madeira.

A solução encontrada, pelo menos para facilitar o trabalho, pode estar em fazer o desenho com caneta preta para alcançar maior contraste entre o preto e o branco, e evitar as massas de grafite.

Seja como for, vale para não perder o hábito e para não passar em branco.

Pensamento da semana

2011-08-21T08:00:00.001-03:00

“Hoje em dia se enfatiza de tal modo o caráter expressivo inerente ao fazer-artístico, que o lado comunicativo da arte-linguagem fica relegado a um plano secundário. A arte parece ser, aos olhos da maioria, apenas uma espécie de autoterapia, uma maneira de cada um descarregar seus sentimentos pessoais, numa atitude de subjetivismo que nos últimos anos chegou as raias de um exibicionismo mórbido (impingindo aos espectadores a condição de voyeurs). E este subjetivismo reinante é projetado para o passado, como se em todas as épocas e culturas prevalecessem as condições atuais do mundo ocidental, e os artesãos e artistas não tivessem tido outra preocupação senão a de falar eternamente de si mesmos, de um “eu” que nunca existira antes nestas dimensões narcisistas ou, na verdade, nesta noção do individuo isolado da coletividade: cada um por si e contra todos. Outrossim, acrescenta-se o fato grave de, em nossa época, a arte ter sido praticamente destituída de qualquer função social. Os artistas parecem existir unicamente para produzirem uma mercadoria de luxo, supérflua quando não dispensável, trabalhando para um mercado chamado “livre”, no qual, aliás, cabe a eles ainda a tarefa de criarem uma demanda para suas produções artísticas.”

Fayga Ostrower, em Acasos e criação artística.

Modelo vivo

2011-08-18T22:35:00.003-03:00

Voltando a desenhar modelo vivo depois de algum tempo parado.

Nada muito detalhado, já que eram podes de 5 minutos.

O essencial era sintetizar a estrutura geral do tronco, o movimento do corpo e os pontos de apoio/tensão.

Esta é uma prática fundamental para o artista que trabalha com figura humana.
Mesmo a fotografia sendo um recurso válido e importante, os benefícios de tal exercício proporciona vai muito além dos resultados.

Reza a lenda que o grande pintor espanhol Goya (1746-1828) disse que um artista, vendo um homem cair de uma janela no terceiro andar de um edifício, deve ser capaz de concluir um desenho desse homem no momento em que ele atinge o chão.
Depois que li isto, nada me restou a fazer, a não ser me calar... e desenhar.

Novas experiências

2011-08-16T23:50:00.003-03:00

Como sempre, continuo buscando novas maneiras de representar graficamente a temática que venho trabalhando.
Dessa vez, fiz uma experiência com nanquim, aquarela e guache.

A primeira etapa, o desenho apenas em nanquim.

A segunda, a inserção da aquarela em apenas alguns pontos, como a parte do crânio evidente, os lábios e o olho que restou.

E, por último, o peso da guache no cabelo e nas manchas cor de terra.

"Sem título", nanquim, aquarela e guache sobre moleskine, 2011.

Eu ainda não me acostumei a trabalhar com tinta guache. Em tese, guache e aquarela são muito semelhantes, mas para mim, a primeira quando toca o papel parece fora de controle. Mas não tem problema.
É apenas um motivo a mais para continuar experimentando e exercitando. Uma hora tem que dar certo.

Procurar o quê

2011-08-15T23:50:00.003-03:00

Nada melhor do que estrear a semana – e um moleskine – com poesia.

Poesia para arejar as ideias, para ver as horas passarem, para sonhar acordado e repousar o espírito.

E, claro, nada melhor para isso do que Drummond.

A ilustração está sempre aquém, mas o poema vale a pena.

"Procurar o quê", aquarela, nanquim e caneta colorida sobre moleskine.

O que a gente procura muito e sempre não é isto nem aquilo. É outra coisa.

Se me perguntam que coisa é essa, não respondo, porque não é da conta de ninguém o que estou procurando.

Mesmo que quisesse responder, eu não podia. Não sei o que procuro. Deve ser por isso mesmo que procuro.

Me chamam de bobo porque vivo olhando aqui e ali, nos ninhos, nos caramujos, nas panelas, nas folhas de bananeiras, nas gretas do muro, nos espaços vazios.

Até agora não encontrei nada. Ou encontrei coisas que não eram a coisa procurada sem saber, e desejada.

Meu irmão diz que não tenho mesmo jeito, porque não sinto o prazer dos outros na água do açude, na comida, na manja, e procuro inventar um prazer que ninguém sentiu ainda.

Ele tem experiência de mato e de cidade, sabe explorar os mundos, as horas. Eu tropeço no possível, e não desisto de fazer a descoberta do que tem dentro da casca do impossível.

Um dia descubro. Vai ser fácil, existente, de pegar na mão e sentir. Não sei o que é. Não imagino forma, cor, tamanho. Nesse dia vou rir de todos.

Ou não. A coisa que me espera, não poderei mostrar a ninguém. Há de ser invisível para todo mundo, menos para mim, que de tanto procurar fiquei com merecimento de achar e direito de esconder.

Carlos Drummond de Andrade, “Procurar o quê”.

Ps: Esse título não tem interrogação, apesar de caber tal pontuação.

Pensamento da semana

2011-08-14T23:50:00.003-03:00

“Da mesma forma que um texto literário denota as qualidades, o domínio da escrita e a criatividade do autor/escritor, proporcionando prazer nessa relação íntima com a palavra escrita e o modo como a interpretamos de acordo com as nossas vivências pessoais, uma ilustração bem conseguida, pelo domínio da linguagem plástica, pela imaginação, fantasia, criatividade e originalidade do autor/ilustrador, vai certamente produzir o mesmo tipo de fruição estética em nível visual.”

Teresa Lima, em O que é qualidade em ilustração no livro infantil e juvenil – com a palavra o ilustrador.

Cachoeira do Abade

2011-08-13T23:50:00.002-03:00

Desenho rápido – e um passo a passo – de um local lindo: a cachoeira do Abade, em Pirenópolis, Goiás.

Colagem da bilhete de entrada e esboço inicial do desenho em grafite.

Situada a lesta da cidade, a cachoeira situa-se na fazenda Cabaçais. Depois de uma pequena trilha passando por um poço e por uma pequena ponte, chega-se a cachoeira que possui uma queda de 22 metros de altura.

Pintura do bilhete para facilitar a pintura.

Apesar da altura, é quase possível ficar embaixo da queda, já que a água não vem de um local muito inclinado.

Primeira camada de tinta.

Há ainda uma pequena “prainha” em que é possível deitar, olhar para o céu, escutar o som dos pássaros e o barulho das águas.


"Cachoeira do Abade", aquarela, guache e colagem sobre sketchbook (papel fabriano 300g/m2).

Enfim, este é um local histórico, assim como toda a cidade de Pirenópolis, que vale a pena ser colocado no roteiro de viagem.

Em processo: Natureza Íntima 2 (díptico)

2011-08-12T23:30:00.002-03:00

Comecei o próximo díptico, conforme havia dito em uma postagem recente, e terminei agora a pouco a transferência dos esboços para a pintura a ser realizada.

Esse é sempre um trabalho chato, mas é necessário. Mesmo porque, conforme se sabe no meio artístico, se você não quer ter problemas com a pintura, o desenho que é a base para ela deve estar bem resolvido. Porque não existe coisa mais frustrante do que se chegar ao fim quase ao fim de uma pintura e, olhando por acaso, como quem não quer nada, encontrar um erro de proporção, de perspectiva, de volume... Claro que estou me referindo ao tipo de pintura que faço, figurativa e com estudo prévio. Há quem faça a pintura sem esboço nenhum com tinta sobre a tela.

Seja como for, tais imagens já foram mostradas nas postagens “Estudo para pintura”

e “Estudos para descorticação visual”.

Aqui, porem, feito em carvão, o importante é o desenho com o mínimo de linhas possíveis, até mesmo porque o carvão sempre mistura com a tinta e acaba virando um peteco só...

Farei o possível para mostrar as etapas do processo durante a produção da pintura, mas talvez não chegue até a conclusão da mesma. Afinal, um pouco de suspense sempre é bom para atiçar a curiosidade e instigar o público a ver o trabalho pessoalmente em uma próxima exposição.

Estudos para descorticar crianças

2011-08-11T22:36:00.000-03:00

Quando pesquisava, no semestre passado, sobre como seriam as imagens para o trabalho de diplomação, resolvi experimentar imagens de crianças para ver o efeito que eu poderia conseguir.

No início fiquei em dúvida quanto ao impacto que elas poderiam causar. Não sabia se era muito agressivo ou apelativo, já que a minha linha de trabalho é sempre focada em três pilares: o corpo humano, o grotesco e o erotismo. Assim, quando ainda não tinha decidido trabalhar apenas com rostos, a ideia de inserir crianças no trabalho parecia quase impossível, já que representar a nudez infantil estava (e está) fora de cogitação.

Contudo, conforme a pesquisa foi se desenvolvendo, fui orientado a focar apenas na parte superior, em especial, do rosto. Assim, a possibilidade de figurar crianças ficou mais palpável e coerente com minha poética, o que me levou a fazer alguns estudos.

Como já citei em outras postagens, não compartilho as fotos em que me baseio para tais estudos por dois motivos: primeiro porque eu sempre modifico os rostos em várias áreas, já que a intenção não é a de torna-los reconhecíveis; e segundo, porque as fotos são usadas como meio de se trabalhar mais facilmente com a forma do rosto, em especial no que diz respeito à obtenção de volume pelas áreas de luz e sombra.

Fiz o comentário acima porque muitas vezes o que me leva a fazer algum desenho é a expressividade encontrada nas fotos que pesquiso pela internet, livros ou revistas. Foi este exatamente o caso dos dois estudos postados abaixo.

No primeiro deles, encontrei esta foto de uma menina linda, de olhar profundo e distante.

Fiquei horas observando o brilho do olhar, a boca pequena, o cabelo esvoaçante e o ar de tranquilidade que ela passava. Foi um desenho que gostei de todas as etapas do processo, dos primeiros traços ao resultado final. Foi a segunda criança que descortiquei e, ao contrário de alguns outros estudos, o corte aqui apresentado não seguiu um padrão de simetria.

O segundo desenho – na verdade, o terceiro que fiz - foi o que me deu a base para a criança pintada no trabalho de diplomação. Aqui, mais uma vez, o olhar foi o que me seduziu para o desenho.

É incrível a capacidade de falar sem dizer palavra nenhuma, tudo através dos olhos. Não é por acaso que esta é uma das formas de contato mais íntimo entre as pessoas. Contudo, certos olhares são tão misteriosos que nem mesmo a famosa esfinge conseguiria decifrá-los. Assim foi para mim com a criança acima.

Por mais que eu olhasse enquanto desenhava, eu não conseguia nada além de conjecturas sobre sua breve vida, sobre sua família ou sua origem. Além, claro, de milhares de suposições sobre o que se passava em sua cabeça.

Com a banalização das imagens não nos damos conta de que por trás de toda foto em que se vê um ser humano, existe um porquê, existe uma história, existe uma vida. Neste caso, porém, por mais que eu pensasse, conjecturasse e especulasse, não teria outro jeito: eu seria inevitavelmente devorado...

Chegou!

2011-08-08T23:50:00.026-03:00

"Lucas", pastel, sanguínea, carvão e grafite sobre sketchbook, 2011.

Antes que o dia acabe, não podia deixar de compartilhar este desenho que acabou de sair do forno, ainda quentinho, assim como o modelo que o inspirou: meu sobrinho Lucas.

Ele nasceu hoje por volta das 10 horas da manhã, com 3,720 kg e 50,5 cm. Eu até estava com saudade de segurar um bebezinho tão leve, já que meus outros sobrinhos já estão me dando escoliose!

Não sei se representei bem, mas como no primeiro dia todos tem cara de joelho, acho que dá para passar.
Welcome to the jungle! Ops, melhor dizendo, bem vindo a vida! (não vamos assustar o menino já tão cedo, né?!)

Pensamento da semana

2011-08-07T08:00:00.002-03:00

“O que quer que seja dito acerca da evolução histórica da arte em geral, o corpo humano representa a mais profunda introspecção nos contextos socioculturais da arte, desde as culturas mais tribais aborígenes às mais avançadas civilizações do passado ou do presente. Se a arte pode ser vista como o empreendimento refinado das aspirações humanas, o corpo na arte é a sua mais importante concentração expressiva. O problema inerente à sua criação artística, em qualquer cultura, é a tentativa do artista de transformar a sua experiência e a sua percepção estética numa forma visual com significado.”

Burne Hogarth, em O desenho anatômico sem dificuldade.

Parece improvável, mas é bom não duvidar...

2011-08-05T23:30:00.005-03:00

"Raio-X infantil", pastel sobre sketchbook, 2011.

Raio-X infantil em um sketch rápido.
Homenagem ao meu sobrinho Lucas que está quaaaaaaase chegando, e também a todas as crianças que conseguem fazer o inimaginável.

Tá certo que ele ainda nem nasceu, mas já é bom eu ir me preparando para o que ele vai aprontar...

Estudo para pintura

2011-08-04T21:43:00.000-03:00

Estudando, como sempre, um pouquinho de anatomia para a próxima pintura.

O trabalho será um díptico em que cada tela possui o tamanho semelhante às telas que compõe o tríptico pintado para a conclusão de curso – ainda não postado aqui no blog –, 50 x 70 cm, pois tal tamanho segue a proporção de uma foto 3x4.

Continuo focado no estudo de rostos e hoje, depois de tanta observação e pesquisa durante o semestre que se passou, percebi duas coisas:
primeiramente, que as possibilidades de descorticação da face são quase infinitas, o que proporciona, a mim, aprofundar esta investigação em cima de cada detalhe, cada traço, cada expressão, bem como em cada músculo, nervo, cartilagem ou osso;
segundo, que o trabalho só se desenvolve artisticamente quando se “esgotam” as possibilidades de criação, ou seja, quando se produz ao extremo, de modo que se tenha uma extensa série de trabalhos que se sustentem como obras de arte.

Não preciso dizer que tenho ainda muito trabalho pela frente.
Isto, porém, não me preocupa em nada, pois agora sei o que me move como artista, qual a minha poética e como ela se sustenta na teoria e na prática. Conforme mostrado aqui no blog, esta pesquisa está completando um ano desde a ideia inicial e dos primeiros esboços. Entretanto, há ainda muito para ler, investigar e experimentar neste caminho em que enxergo, felizmente, mais acertos do que erros.

Aproveitei que estava em casa e fiz, pausadamente, o desenho que se segue, exibindo cada etapa do processo em um passo a passo desde os primeiros traços até o estudo concluído.

Primeiramente, as linhas bem fracas e com formas bem geométricas apenas para demarcar a área do rosto.

Em seguida, os primeiros traços mais delineados e o início das áreas de sombra.

Aqui, a região dos olhos e da boca com maiores detalhes, assim como as áreas de sombra e do cabelo com maior contraste.

Terminando algumas áreas e dando ênfase aos músculos da órbita ocular e da testa.

E, para concluir, a finalização dos demais detalhes e a adição de maior contraste em todo o rosto.

Este, provavelmente, será o lado direito do díptico. Alguns detalhes ainda serão, como sempre acontece, alterados no momento de transferência para a tela e no ato da pintura. O estudo é importante para definir melhor as áreas de luz e sombra, já que isto é primordial para se alcançar o volume do rosto e proporcionar maior naturalismo.

Em breve, postarei as próximas etapas do processo, bem como o processo do tríptico concluído recentemente.

Geometrizando

2011-08-03T19:58:00.000-03:00

Mais fotos da arquitetura geométrica da Universidade de Brasília.Este local, perto do restaurante universitário, eu nunca havia reparado.

O que me chamou a atenção, primeiramente, foram estas enormes placas de concreto colocadas em sequência como peças de dominó prestes a serem derrubadas.

Algumas destas placas chegam a ter mais de 2 metros de altura por 4 metros de largura, aproximadamente.

Também o fato de serem assimétricas torna, a meu ver, o ambiente ainda mais interessante, e o diferencia, de certa forma, da arquitetura local.

Como sempre comento, o que mais me atrai neste tipo de edificação mistura do concreto armado em meio ao verde da vegetação, das árvores e flores do cerrado – mesmo que às vezes ele não apresente cores tão vivas – que possuem uma beleza única.

Não consegui, de fato, saber o que se encontra abaixo destas placas. Mas, pela placa dizendo “Perigo: choque elétrico”, pode-se supor alguma coisa.
Talvez seja apenas mais uma daquelas coisas que não se sabe quem fez, para que serve ou se tem alguma utilidade, mas que chamam o olhar para si e dão a determinados locais características únicas. Afinal, assim como na arte, nem tudo é para ser explicado, e sim, para ser visto e sentido.

Sketch urbano

2011-08-01T23:18:00.000-03:00

"Sem título", grafite sobre sketchbook, 5,5x7,5 cm, 2011.

Sketch rápido de um ponto do Eixo Monumental no sentido Rodoferroviária - Esplanada dos Ministérios.

Sempre quis saber o que é este "monumento" que fica ao lado do Centro de Convenções e em frente ao Parque da Cidade (também por isso está como "sem título").
Quando eu era criança, sempre achei que fosse uma parada de ônibus. Mas só depois me toque de que os ônibus param do outro lado da avenida.

Se alguém souber e quiser compartilhar, faça este favor para a humanidade...

Pensamento da semana

2011-07-31T13:00:00.000-03:00

“Os criadores dos desenhos paleolíticos de animais eram, ao que tudo leva a crer, caçadores “profissionais” – pode-se presumir isso com certeza quase que absoluta a partir do seu conhecimento íntimo de animais – e é improvável que, como “artistas” (ou como quer que fossem chamados), estivessem isentos da obrigação de prover alimentos. [...] Se, como supomos, a representação de animais serviu de fato para fins de magia, então dificilmente se pode duvidar de que as pessoas capazes de produzir tais obras também fossem olhadas como dotadas de poderes mágicos e veneradas como tais – um status que acarretava certos privilégios e, pelo menos, uma parcial isenção das obrigações cotidianas. Diga-se de passagem que a técnica elaborada e refinada das pinturas paleolíticas também atesta que estas obras eram executadas não por diletantes, mas por especialistas treinados que consumiram parte considerável de sua vida aprendendo e praticando arte, e que já constituíam uma classe profissional. [...] O artista-mago, portanto, parece ter sido o primeiro representante da especialização e da divisão de trabalho. De qualquer modo, sobressai da massa indiferenciada, a par do feiticeiro propriamente dito e do curandeiro, como o primeiro “profissional”. Como possuidor de dotes especiais, é também o precursor da classe sacerdotal propriamente dita, a qual reivindicará ulteriormente ser detentora não só de aptidões e conhecimentos excepcionais, mas também de uma espécie de carisma que a isenta de todo o trabalho ordinário.”

Arnoud Hauser, em História social da arte e da literatura.

Nu

2011-07-30T17:45:00.001-03:00

Um dos grandes representante do Modernismo, Manuel Bandeira foi um gênio com as palavras.
Mesmo tendo uma história tão triste, o autor foi capaz de produzir sonhos e elevar o imaginário de tantos leitores transportando-os, por exemplo, para Pasárgada, terra onde tudo seria possível, um refúgio para se livrar dos sofrimentos que lhe assolavam o espírito em toda sua longa vida.

Para aproveitar bem o sábado, nada melhor que viajar nas palavras do poeta. Foi exatamente o que fiz.

Depois de ler várias vezes o poema abaixo nos últimos dias, resolvi ilustrá-lo.
Continuo acreditando que a imagem material não substitui a imagem mental que as palavras podem proporcionar. Mas, seja como for, é sempre bom encarar o desafio.

Utilizei grafite, nanquim, aquarela e tinta acrílica sobre uma página previamente manchada com spray em um dos sketchbooks artesanais - o mesmo das outras duas ilustrações de grandes poemas de dois autores brasileiros, Drummond e Castro Alves (postagem "Ilustrando a leitura" e "Dama Negra").

Abaixo, a ilustração e o magnífico poema:

"Nu", técnica mista sobre sketchbook, 2011.

Quando estás vestida,
Ninguém imagina
Os mundos que escondes
Sob as tuas roupas.

(Assim, quando é dia,
Não temos noção
Dos astros que luzem
No profundo céu.

Mas a noite é nua,
E, nua na noite,
Palpitam teus mundos
E os mundos da noite.

Brilham teus joelhos,
Brilha o teu umbigo,
Brilha toda a tua
Lira abdominal.

Teus exíguos
- Como na rijeza
Do tronco robusto
Dois frutos pequenos -

Brilham.) Ah, teus seios!
Teus duros mamilos!
Teu dorso! Teus flancos!
Ah, tuas espáduas!

Se nua, teus olhos
Ficam nus também:
Teu olhar, mais longe,
Mais lento, mais líquido.

Então, dentro deles,
Bóio, nado, salto
Baixo num mergulho
Perpendicular.

Baixo até o mais fundo
De teu ser, lá onde
Me sorri tu'alma
Nua, nua, nua...

Manuel Bandeira, "Nu".

Pra ficar de boa...

2011-07-29T17:32:00.000-03:00

"Sem título", grafite sobre sketchbook, 5,5x7,5 cm, 2011.

UnB → 110 → Rodô.
Rodô → 382 → home.

Sketch só no bus (ócio produtivo).
Pra ficar de boa sem ficar de bob's.

Céu amarelo

2011-07-28T18:45:00.001-03:00

Mais perto da essência
O Sentido respira
Mas nem sempre o ar mais puro se tem
Mais perto da essência
O sentido respira
Consumido no perfume que vem

Eu vou lhe dar um prato de flores
E no seu ventre vou fazer o meu jardim
Que vai florir
Quando os espinhos lançarem as dores
Do cheiro forte do jardim que não tem fim
Que não tem fim

E o seu umbigo ainda em flor
Vai mexer com o tempo vai matar a dor denovo
E o seu umbigo ainda em flor
Vai mexer com o tempo vai matar a dor denovo

E os espinhos são pra quem pensa em enganar a flor
A beleza rédia prosa da dor
E os espinhos são pra quem pensa em enganar a flor
A beleza rédia prosa da dor

E o seu umbigo ainda em flor
Vai mexer com o tempo vai matar a dor denovo
Eu vou lhe dar um prato de flores
E no seu ventre vou fazer o meu jardim

Nação Zumbi, Prato de Flores.

É época de Ipê Amarelo, e a extravagância colore o verde pálido do cerrado.
Impossível ficar indiferente à tamanha beleza.
É bom para os olhos, é bom para mente, é bom para alma.
Aprecie sem moderação...

Auto [Re] Conhecimento

2011-07-26T23:00:00.089-03:00

Em 2009 eu comecei a pensar sobre as questões que envolvem a poética do autorretrato. Quais motivos levaram – e levam – os artistas – ou não – a se retratarem, foi o ponto de partida para uma extensa pesquisa teórica e prática que iniciei quase que por acaso.

Imaginando como seria fazer uma série de autorretratos bem extensa, propus-me um desafio que foi quase uma insanidade: desenhar, durante um ano, um autorretrato por dia! Eu poderia ter feito um por mês, por quinzena, ou até por semana, mas preferi o caminho mais difícil...

Dei o nome de “Auto [RE] Conhecimento” ao projeto, e comecei o ano de 2010 com aquela empolgação. Mas logo ela foi abalada pelo cansaço e obrigação de parar, sentar e desenhar a mim mesmo todos os dias. Assim, ainda no início do projeto, vi que o ideal era desenhar um autorretrato para cada dia do ano, e não necessariamente um por dia.

Capa do caderno de autorretratos.

Foi uma experiência difícil, mas que valeu pelos frutos gerados. Além da obrigação do exercício quase diário do desenho, desenvolvi, a partir deste trabalho, o meu projeto de iniciação científica. Estudei por um ano sobre a importância da prática do autorretrato como forma de autoconhecimento para as pessoas que não são artistas. Estou concluindo o artigo agora, mas falarei dele mais adiante em outra postagem.

Esta foi também uma oportunidade de trabalhar com materiais que eu não tinha muito costume de utilizar, como caneta bic, pastel, lápis aquarelável, grafite aquarelável, carvão, sanguínea, sépia, etc. Até marca texto eu cheguei a usar, mesmo sabendo que depois de alguns anos será praticamente impossível de se enxergar algo na página.

Já mostrei aqui no blog alguns estudos no ano passado, como, por exemplo, nas postagens “Feliz Ano Novo!” e “Autorretrato”. E é engraçado olhá-los novamente no caderno, bem como olhar as outras páginas, porque alguns autorretratos não se parecem em nada comigo. O caráter naturalista nem sempre é o mais importante – na verdade, acho que é o de menos. Alguns detalhes, como certos traços – mais suaves ou mais agressivos –, anotações no canto de alguma página – ou na página inteira –, mostram muito do estado de espírito em que me encontrava quando desenhei. Algumas imagens, inclusive, estão totalmente desconstruídas, quase irreconhecíveis. Folheando agora a pouco, achei alguns trabalhos interessantes, como os mostrados a seguir:

"Autorretrato nº 117", grafite sobre sketchbook, 2011.

"Autorretrato nº 21", bic sobre sketchbook, 2011.

"Autorretrato nº 225", grafite sobre sketchbook, 2011.

"Autorretrato nº 85", lápis aquarelável sobre sketchbook, 2011.

"Autorretrato nº 23", grafite sobre sketchbook, 2011.

"Autorretrato nº 209", bic sobre sketchbook, 2011.

"Autorretrato nº 187", nanquim sobre sketchbook, 2011.

O curioso é que isto acaba virando um vício. Neste final de semana, por exemplo, aproveitando o momento de ócio enquanto trabalhava em um concurso, usei o meu menor caderno – o que me acompanha quase sempre no bolso – para ver se eu ainda conseguia me desenhar sem me olhar no espelho. O tamanho muito pequeno não ajudou muito para desenhar alguns detalhes, mas isto era o de menos...

"Autorretrato", grafite sobre sketchbook, 2011.

O exercício do autorretrato é sempre interessante porque enquanto se desenha, mesmo sem querer, acaba-se pensando sobre a própria vida. E isso eu acredito ser o mais importante, pois o trabalho, independente de ser profissional o de ter alguma finalidade, acaba ganhando maior importância para quem o produz. Se o resultado não é visualmente semelhante a seu autor, isto não importa. Afinal, utilizando uma frase que li recentemente sobre o tema, "o que eu realmente sou, você não pode ver”.

Pensamento da semana

2011-07-24T08:00:00.001-03:00

"Nada existe realmente a que se possa dar o nome de Arte. Existem somente artistas. Outrora, eram homens que apanhavam um punhado de terra colorida e com ela modelavam toscamente a forma de um bisão na parede de uma caverna; hoje, alguns compram tintas e desenham cartazes para tapumes; eles faziam e fazem muitas outras coisas. Não prejudica a ninguém dar o nome de arte a todas essas atividades, desde que se conserve em mente que tal palavra pode significar coisas muito diversas, em tempos e lugares diferentes, e que Arte com A maiúsculo não existe. Na verdade, Arte com A maiúsculo passou a ser algo como um bicho-papão, como um fetiche."

Ernst Gombrich, em A história da arte.

Nova parceria

2011-07-22T23:30:00.009-03:00

Ao contrário de muitos artistas que só trabalham sozinhos, acho muito produtivo o trabalho em equipe.

Os motivos para o isolamento podem ser os mais variados possíveis, e isso é totalmente compreensível, já que cada pessoa tem um ritmo de produção, um modo de organização, formas distintas de se concentrar, etc. Isso sem falar no que complementa a atividade artística - no meu caso, a música, que vária do eletrônico ao heavy metal a todo volume.

É claro que não seria possível desenvolver a minha série de pinturas com outro artista porque se trata de um trabalho muito pessoal, subjetivo e íntimo - como o próprio nome sugere. Mas é possível sim desenvolver uma parceria de sucesso. A prova disso foi a que comecei hoje.

Meu sobrinho Felipe de 4 anos está passando uma semana de férias na minha casa. Hoje, quando cheguei da universidade, ele me perguntou o que já havia me perguntado umas duas ou três vezes durante a semana: se eu sabia desenhar aquele mascote da propaganda das Casas Bahia. Não sei o porquê, mas ele adora aquele bonequinho (tanto que, andando no shopping esta semana, ele não perdeu a oportunidade de pegar o encarte da loja. E ai de quem jogar fora...). Será que alguém apresentou para ele o famoso clássico da música popular brasileira?
"Quanta gente,
Quanta alegria,
A minha felicidade
É um crediário
Nas Casas Bahia."
Como eu acho que ele ainda não sabe o que é crediário - e espero que não saiba tão cedo -, acredito que seja por outros motivos...

Eu disse que não sabia fazer porque tenho minhas dúvidas quanto a desenhar ao lado de crianças, pois tenho medo de passar a impressão errônea de que existe apenas um tipo de desenho "correto". Mas ele acabou me convencendo de um jeito curioso. Enquanto estávamos conversando, ele me perguntou:
- Tio, que cor é o chapéu do bonequinho das Casas Bahia?

Eu sem lembrar muito bem, mas visualizando que era um chapéu de cangaceiro, disse:
- Eu acho que é marrom.

Então ele complementou:
- É marrom com o desenho de uma palmeira verde.

Eu fiquei tão impressionado de nunca ter percebido isso que fui conferir no encarte. E, para a minha surpresa, era exatamente assim...

Percebendo como ele gosta de desenhar, sempre que posso faço o possível para que este gosto cresça cada dia mais. Decidi, então, fazer um acordo com ele: eu faria o desenho e ele ficaria encarregado de pintá-lo.

Primeiro fiz um esboço bem rápido a lápis apenas para demarcar o personagem. Isso com ele falando: "nossa, tá muito esquisito! Se fosse eu, não desenharia ele tão grande assim na folha...".

Em seguida, peguei uma caneta hidrocor, ou melhor, uma canetinha (não precisa ser tão técnico para lidar com criança, né?!) e contornei as linhas para que ficasse mais fácil para colorir. Aí sim consegui ganhar um pouquinho de crédito com o desenho. Ele disse: "ah, agora sim tá melhor...".

Por fim, o trabalho finalizado, colorido por ele. Antes, eu havia dito para ele observar as cores para pintar tudo igualzinho, mas ele respondeu de cara me deixando mais orgulhoso: "eu não, eu vou pintar de outras cores para ficar bem colorido!".

Eu gostei muito do resultado, e ele também. Disse que não vai deixar ninguém tocar no desenho, mas que irá pregar na porta do quarto para todo o mundo ver. Resta saber o que a mamãe acha desta estória.

O melhor foi que enquanto eu desenhava, ia falando para ele até ele responder comigo:
- Então, Felipe, para desenhar e pintar é preciso o que?
- Ter paciência.
- E o que mais?
- Olhar bem para as coisas.

Espero que isso dê certo um dia, que o desenho se torne para ele tão essencial quanto é para mim, independente dele querer ser artista...

Amigo é amigo...

2011-07-20T23:00:00.003-03:00

"Amizade", caneta colorida sobre sketchbook, 2011.

Muitos foram os pensadores, escritores, poetas, músicos ou filósofos que discorreram sobre o que é a amizade e/ou o que é ser amigo.

"A amizade é um meio de nos isolarmos da humanidade cultivando algumas pessoas." (Carlos Drummond de Andrade)

"Não preciso de modelos, não preciso de heróis, eu tenho meus amigos." (Renato Russo)

"A amizade é um amor que nunca morre." (Mário Quintana)

"O amigo de todos não é amigo de ninguém." (Louis Bourdaloue)

"Amigo é coisa para se guardar do lado esquerdo do peito..." (Milton Nascimento)

"A amizade é uma alma com dois corpos." (Aristóteles)

"Em coisas insignificantes é que um verdadeiro amigo se avalia." (Camilo Castelo Branco)

Enfim, há inúmeras citações que descrevem esta pessoa de todas as horas. Mas a que mais gosto é aquela que diz:

"Amigo não é aquele que separa uma briga, mas sim, aquele que já chega dando voadora..."

20 de julho, dia internacional do amigo.

Geometrizando

2011-07-19T19:52:00.001-03:00

Arquitetura é uma área que sempre me chamou a atenção.
Sua história, assim como a história da arte, pode ser observada no contexto das relações humanas e da evolução do ser. Logo, ela é o reflexo do pensamento, aspirações e desejos de uma época.

A Universidade de Brasília, construída em 1962, é fonte de um grande legado modernista. Além de ser possível encontrar esculturas, gravuras e pinturas de artistas famosos pelo campus, como Victor Brecheret, Tarsila do Amaral, Glênio Bianchetti e Cândido Portinari, a arquitetura geométrica também é um dos seus pontos fortes.

Mesmo sabendo que a funcionalidade dos prédios não é das melhores, não há como negar que alguns deles chamam muita atenção pelas formas excêntricas que os constituem. Pensando nisso, comecei a fotografar de alguns ângulos específicos e irei aos poucos postando aqui no blog.

Uma das construções mais recentes que se enquadra neste contexto geométrico é o Memorial Darcy Ribeiro, vulgo "Beijódromo".

Ele foi construído para acervar os arquivos do antropólogo que dá nome ao prédio e ao campus, além de ser um local de estudo.

As formas arredondadas e as cores dão uma estética diferente aos prédios antigos, os quais são seguem o padrão de linhas retas e perpendiculares.

Outro detalhe que o diferencia é a falta de concreto aparente, tão característica da arquitetura de Brasília, em especial, da Esplanada dos Ministérios.

Aproveitei a ocasião para conhecer o prédio por dentro, já que ainda não tinha entrado, e para tirar esta foto - a que mais gostei.

Quando olhei para centro no ponto mais alto do memorial, que me lembra um vórtice, tive a impressão de que aquilo ia começar a girar a qualquer momento... mas isto deve ser só loucura minha...

Natureza viva

2011-07-18T17:00:00.001-03:00

"Sem título", grafite sobre sketchbook, 2011.

Nada melhor do que desenhar ao ar livre para começar bem minhas pseudo-férias.

Estive em uma chácara neste fim de semana, em um local que eu não sei onde fica, e acabei desenhando um rio que eu também não sei o nome (tá sabendo legal, né?!).

É verdade, não sabia de muita coisa além do fato de que é sempre bom curtir um momento bucólico para sair da rotina. Por isso, aproveitei que um dos meus sketchbooks estava comigo e sentei na beira deste rio e o desenhei sem pressa de terminar o que havia começado.

Quando estou em casa - ou mesmo na rua fazendo algum desenho de observação (ou não) - escuto música para me inspirar. E como geralmente eu ouço música eletrônica ou algum outro tipo de música mais agitada para dar um ritmo acelerado ao trabalho, muitas vezes me pego dançando, cantando e desenhando - ou melhor, as pessoas na rua é que me pegam assim. Quando percebo, já estou pagando aquele mico que me enche de vergonha... Mas eu sou forte, e resisto bravamente! Olho para frente - ou melhor, para o caderno -, finjo que nada aconteceu e continuo o trabalho.

Mas neste dia, como estava em um local mais afastado da cidade, sem aquela poluição sonora a todo instante, preferi não escutar nada além do som da própria natureza. O som dos pássaros cantando, das águas do rio passando, das folhas das árvores balançando com o vento... enfim, tudo o que não se escuta na cidade ditava o ritmo e servia de inspiração para cada traço.

Eu não sabia o nome do local e nem do rio, mas sabia - e deveria ter lembrado disto na hora - que sem protetor solar o pescoço fica bem queimado e sem repelente não é nada difícil de virar almoço de mosquitos e formigas - que, diga-se de passagem, eram muito grandes, quase do tamanho de aranhas (o que me deixava com um olho no padre e outro na missa). Acho que estou tendo alguma reação alérgica que nunca tive, pois estou com os pés muito inchados nos locais das picadas e com o corpo inteiro coçando...

Mas tá valendo.

O bom filho a casa torna

2011-07-13T23:29:00.000-03:00

Um mês depois de tomar um chá-de-sumiço sem aviso prévio, as atividades "bloguísticas" estão de volta!

Em certos momentos da vida, como todos sabemos, temos que fazer certas escolhas. Com a entrega do trabalho de conclusão de curso - no meu caso, uma parte prática e e outra teórica - com data marcada, estava impossível conciliar qualquer coisa que fosse além das minhas obrigações com a faculdade. Isto porque, além da diplomação, eu estava com mais duas matérias (sendo uma com trabalho de campo), além da pesquisa de iniciação científica. Ou seja, eu estava nas últimas!

Por isso, exatamente há 1 mês eu tive que deixar o blog, flickr, skineart, facebook, etc, etc, etc..., para focar na minha monografia e na conclusão da pintura. O resultado, depois de tanto esforço, foi muito gratificante. Em breve postarei as fotos da Exposição de Diplomação e das telas, um tríptico pintado a óleo na mesma temática das pinturas anteriores.

Mas quando parei de postar os trabalhos - quase - diários, abandonei um desenho pela metade que terminei agora a pouco. Uma paisagem da Universidade de Brasília que achei interessante. Mesmo sabendo que muita coisa poderia ser melhorada no campus, eu gosto da arquitetura misturada ao verde de tantas espécies de árvores diferentes.

Neste caso, o que me encantou também foi a estátua do John Lennon, perto da ala norte do Instituto Central de Ciências. É engraçado ter uma estátua que, aparentemente, não se enquadra no ambiente acadêmico. Mas mais engraçado ainda é saber que muitos alunos passam vários semestres - e alguns até saem da UnB - sem saber que o velho John estava por lá, em um ponto mais alto entre as árvores, vigiando todos nós...

Eu comecei fazendo o desenho em um dos sketchbooks e fotografei o local apenas como registro.

Abaixo, o desenho feito apenas no local com caneta bic. A página de cima praticamente não riscava, pois é um papel laminado, tão liso e brilhante que eu fiquei me perguntando - várias vezes - o porquê de eu ter colocado este papel na hora de fazer o caderno.

Em seguida, o desenho com as linhas reforçadas, feito agora há pouco.

E, finalizando, o desenho com pastel branco para realçar a estátua, permanecendo o verde do fundo inalterado, simbolizando o verde da universidade que ainda resiste e que sempre me traz paz nos dias de turbulência...

"Sem título". Caneta bic e pastel sobre sketchbook. 2011.

Abaixo da estátua há uma inscrição com os seguintes dizeres que justificam a sua "estranha" presença no campus:

"Ao inventar Brasília, Lúcio Costa se antecipou a "imagine" e quando pediu para a sua cidade a estátua de John Lennon falou:
"também sou um sonhador e quero ficar em boa companhia".
Brasília, 16 de agosto de 1995."

Pensamento da semana

2011-06-12T08:00:00.002-03:00

“Quando a busca do laconismo e da simplicidade for reduzida a um primitivismo infantil, teremos perdido a validade dos conceitos; quando o impulso criativo de revelar a vida for transformado numa vaga caprichosa de energia desorientada, teremos perdido o controle sobre a direção e a experimentação; quando a procura da clareza e da ordem tiver sido desviada para o restauro do calão insensato do amadorismo disparatado, teremos perdido nossa herança artística; quando a nossa necessidade de ter definições, padrões e critérios tiver sido seduzida pelo burburinho emocional vazio, teremos visto a perversão da filosofia da arte e da estética. Quando o artista tiver vendido a sua categoria, a sua autoridade, os seus princípios, o seu profissionalismo, teremos assistido à ascensão do amador, e termos sido invadidos pela selva.”

Burne Hogarth, em O desenho anatômico sem dificuldade.

Exercitando a paciência (parte 2)

2011-06-11T22:58:00.000-03:00

"Sem título". Caneta bic sobre sketchbook. 2011.

Ainda no mesmo tema da postagem anterior - o exercício de paciência -, este foi o segundo sketch que fiz durante o congestionamento.

Peguei uma página um pouco mais suja e, com a mesma caneta bic, viajei de forma diferente do que costumo fazer. Neste caso não deixei os músculos ou ossos expostos. Fiz apenas uma pseudo-maquiagem no rosto desta jovem imaginada, fazendo referência ao dia dos mortos no México. Não sei por que estava pensando nisso. Talvez fosse a vontade inconsciente de matar quem tem coragem de projetar uma cidade destas. Bom, mas quanto a isso, acho que já expliquei tudo na postagem anterior.

Os dois desenhos foram feitos apenas dentro do ônibus e não pretendo mudar nada nas imagens. Pelo menos não hoje. Daqui a algum tempo, quem sabe, eu volte nesta página e cole alguma imagem em cima, passe mais tinta, rabisque mais ainda mais com lápis, caneta, pastel etc., e comece tudo novamente. Porque se algumas coisas na vida passam e nós não temos como mudar, neste mundo de coisas inventadas, todo dia é dia de refazer o que não deu certo - ou até o que deu, mas pode ficar ainda melhor.

Exercitando a paciência

2011-06-10T23:22:00.014-03:00

"Sem título". Caneta bic sobre sketchbook. 2011.

Indo para uma palestra hoje à noite, precisei contar com muita paciência para enfrentar o trânsito. E nada melhor para fazer isso do que a 'presença' de um sketchbook juntamente com uma boa música no mp4.

Quando comecei a desenhar, tudo estava fluindo bem. O problema foi que a velocidade foi diminuindo, diminuindo, diminuindo... até parar. Acho que o sketch até ganhou um tom dramático na medida em que minha raiva aumentava. É aquela famosa situação em que não há o que fazer. Descer do ônibus e voltar era impossível, já que a pista de volta estava ainda mais congestionada. O jeito foi esperar... e desenhar.

Fiquei pensando em um debate que eu estava vendo na tv um dia desses sobre a questão da leitura, em que um dos convidados comentava que os brasileiros, por não serem incentivados, não possuem tal hábito. Segundo ele, os europeus, ao contrário dos brasileiros, dentro de um ônibus ou trem, estão sempre lendo alguma coisa. Quem não lê é exceção. Dentro do ônibus que não estava muito cheio, notei quantas pessoas preferem ficar sem fazer nada, olhando umas para as outras, impacientes e reclamando, como se isso fosse resolver alguma coisa. Eu também estava reclamando, mas pelo menos estava fazendo algo mais.

É o famoso 'ócio produtivo': aproveitar o tempo que seria perdido para fazer algo mais útil. No meu caso, rendeu-me dois sketches feitos com caneta bic, sem aquela precisão ou limpeza. Desopilar a mente é preciso, seja com a leitura, com o desenho ou com alguma outra coisa que dê asas a imaginação.

A palestra foi sobre diário gráfico e processo criativo com o artista e ilustrador Renato Alarcão. Mesmo chegando um pouco atrasado, deu para ver muitos cadernos de artistas famosos, como os de Da Vinci, Picasso, Delacroix, etc., e de não artistas também, como os de Darwin e Tomas Édson. O diário gráfico, como já comentei aqui no blog, é uma forma de registrar ideias através de imagens, podendo, ou não, fazer o uso da escrita para auxiliar tal processo. Nos meus cadernos eu geralmente escrevo alguma coisa - como no desenho acima -, mas não me prendo as palavras. Às vezes eu posso até não conseguir descrever com palavras, mas sei que elas, de alguma forma, falam por si.

Fica aí a minha dica: um bom livro e/ou caderno para desenhar como quite obrigatório de sobrevivência. Não esqueça o seu antes de sair de casa.

Feitos um para o outro

2011-06-07T22:58:00.003-03:00

"Sem título". Grafite sobre skethbook padrão A8, 2011.

Mais um sketch feito no caderninho companheiro de todas as horas.

Enquanto trabalhava no final de semana, pude estudar um pouco de anatomia na teoria e na prática (mas somente por meio do desenho, claro, já que não tinha nenhum presunto por lá). Nada mais justo. Afinal, depois de acordar às 4 da manhã no sábado - e no domingo também! - para chegar a tempo no local de trabalho, nada melhor que começar o dia com um bom desenho para esquentar. Foi como um chocolate quente para meu cérebro...

Como estava muito frio, minha mão tremia tanto que isso acabou ajudando um pouco na construção das hachuras. Mas com certeza eu ainda prefiro o método tradicional de desenho, ou seja, o que se controla a mão por vontade própria independente do clima...

Fazendo a cabeça

2011-06-06T15:25:00.000-03:00

"Sem título". Caneta bic sobre sketchbook, 2011.

Estudo de construção de cabeça segundo o método de Burne Hogarth em um papel totalmente contraindicado.

Na verdade, não é que o papel kraft não possa ser utilizado para estudo. Muito pelo contrário, para algumas pessoas esta é a sua única finalidade - o que não é o meu caso, apesar de eu também usá-lo com este intuito, como em meus primeiros estudos de pintura em acrílico.

A questão é que o papel escolhido foi o de uma página do sketchbook que fora previamente manchada com tinta e spray antes de ser costurada, o que atrapalha a visualização do traço de maneira geral -no caso, feito com caneta bic (aquelas guerreiras, que se não forem perdidas ou 'roubadas' por engano quando alguém te pede uma caneta emprestado, duram uma eternidade...).

Na verdade, isto foi mais uma diversão do que estudo propriamente dito. Mas como, para mim, muitas vezes essas duas coisas se misturam - e esta é sempre a minha meta! -, então tá valendo!

Burne Hogarth ficou muito conhecido pelos seus livros de anatomia para artistas e também por ser um dos grandes desenhistas do Tarzan. Seu método de ensino é muito interessante. Algumas pessoas não gostam porque dizem que ele é muito exagerado, que ele ensina anatomia de uma forma que o corpo não é na realidade. Eu discordo completamente. Segundo ele mesmo em seu livro "O desenho anatômico sem dificuldade", ele quer se afastar do desenho de anatomia médica e se aproximar da anatomia artística. O que vejo em seus desenhos é que ele exagera nas formas como uma maneira de mostrar para o leitor/aprendiz onde estão as estruturas do corpo, como elas funcionam e se relacionam. É uma forma de ver o interior do mesmo sem, contudo, mostrá-lo interiormente. Seus livros em português, infelizmente, estão todos fora de catálogo, mas é possível achá-los em inglês facilmente (inclusive para download). Para saber mais, basta entrar em seu site oficial: burnehogarth.com.

Pensamento da semana

2011-05-29T10:13:00.000-03:00

"Criar não representa um relaxamento ou um esvaziamento pessoal, nem uma substituição imaginativa da realidade; criar representa uma intensificação do viver, um vivenciar-se no fazer; e, em vez de substituir a realidade, é a realidade. [...] Somos, nós, a realidade nova. Daí o sentimento do essencial e no necessário no criar, o sentimento de um crescimento interior, em que nos ampliamos em nossa abertura para a vida."

Fayga Ostrower, em Criatividade e processos de criação.

Dama Negra

2011-05-27T09:00:00.008-03:00

Castro Alves para começar bem o fim de semana.
Sem comentários...

"Dama Negra", grafite sobre sketchbook artesanal, 2011.

DAMA NEGRA
Por que tardas, meu anjo! oh! vem comigo.
Serei teu, serás minha... É um doce abrigo
A tenda dos amores!
Longe a tormenta agita as penedias...
Aqui, ao som de errantes harmonias,
Se adormece entre flores.

Quando a chuva atravessa o peregrino,
Quando a rajada a galopar sem tino
Açoita-lhe na face,
E em meio à noite, em cima dos rochedos,
Rasga-se o coração, ferem-se os dedos,
E a dor cresce e renasce...

A porta dos amores entreaberta
É a cabana erguida em plaga incerta,
Que ampara do tufão...
O lábio apaixonado é um lar em chamas
E os cabelos, rolando em espadanas,
São mantos de paixão.

Oh! amar é viver... Deste amor santo
— Taça de risos, beijos e de prantos
Longos sorvos beber...
No mesmo leito adormecer cantando...
Num longo beijo despertar sonhando...
Num abraço morrer.

Oh! amar é ser Deus!... Olhar ufano
O céu azul, os astros, o oceano
E dizer-lhes: "Sois meus!"
Fazer que o mundo se transforme em lira,
Dizer ao tempo: "Não... Tu és mentira,
Espera que eu sou Deus!"

Amemos! pois. Se sofres terei prantos,
Que hão de rolar por terra tantos, tantos,
Como chora um irmão.
Hei de enxugar teus olhos com meus beijos,
Escutarás os doces rumorejes
D'ave do coração.

Depois... hei de encostar-te no meu peito,
Velar por ti — dormida sobre o leito —
Bem como a luz no altar.
Te embalarei com uma canção sentida,
Que minha mãe cantava enternecida
Quando ia me embalar.

Amemos, pois! P'ra ti eu tenho nalma
Beijos, prantos, sorrisos, cantos, palmas...
Um abismo de amor...
Sorriso de uma irmã, prantos maternos,
Beijos de amante, cânticos eternos,
E as palmas do cantor!

Ah! fora belo unidos em segredo,
Juntos, bem juntos... trêmulos de medo,
De quem entra no céu,
Desmanchar teus cabelos delirante,
Beijar teu colo!... Oh! vamos minha amante,
Abre-me o seio teu.

Eu quero teu olhar de áureos fulgores,
Ver desmaiar na febre dos amores,
Fitos fitos... em mim.
Eu quero ver teu peito intumescido,
Ao sopro da volúpia arfar erguido
O oceano de cetim.

Não tardes tanto assim... Esquece tudo...
Amemos, porque amar é um santo escudo,
Amar é não sofrer.
Eu não posso ser de outra... Tu és minha,
Almas que Deus uniu na balça edênea
Hão de unidas viver.

Meu Deus!... Só eu compreendo as harmonias,
De tua alma sublime as melodias
Que tens no coração.
Vem! Serei teu poeta, teu amante...
Vamos sonhar no leito delirante
No templo da paixão.

Castro Alves, "Amemos!"

Uma luz no fim do túnel

2011-05-26T23:30:00.079-03:00

"O preço que se paga às vezes é alto demais
É alta madrugada, já é tarde demais
Pra pedir perdão...Pra fingir que não foi mal
Uma luz se apaga no prédio em frente ao meu..."

Em épocas obscuras o futuro parece ainda mais incerto. São tantas aporias que as vezes preferimos não andar e esperar que as coisas venham até nós - o que, obvio, não acontece. Uma escolha errada e...

Conversando com uma amiga recentemente, disse que neste momento eu gostaria de enxergar um pouco mais de claridade no meu caminho, e não apenas o ponto de luz no fim do túnel. Isso porque a sensação de estar sempre esperando por algo é quase tão frustrante que a de andar sem rumo algum. Se para frente lidamos com o futuro, com o incerto, o que passou, como o próprio nome já diz, é passado, não volta mais. Cada porta é uma escolha que, depois de aberta, abre novos caminhos sem, contudo, deixar os anteriores acessíveis.

Não há o que fazer a não ser improvisar e levar comigo a luz que for possível. E se, mesmo assim, ela apagar no meio do percurso, aí é a hora de fechar os olhos e deixar a intuição guiar o corpo. Ela acaba nos fazendo trilhar não o caminho mais fácil, tão pouco o mais seguro, mas o que nos leva aonde queremos chegar. Isso pode até demorar um pouco, mas é um mal necessário...

"O Preço" pode, de fato, ser alto demais. Mas como só se vive uma vez, vale arriscar e pagar para ver.

Bom começo

2011-05-24T23:27:00.000-03:00

Esse final de semana foi de festa.

Empolgado com o quite de lápis de cor, giz de cera e canetinha que meu sobrinho Felipe de 4 anos ganhou, ele resolver presentear a família inteira com seus desenhos.

Apesar de eu não estar junto, recebi hoje o meu. Segundo ele, este desenho acima é a minha cama...

Para saber de quem era, ele me desenhou ali do lado e ainda escreveu - da maneira dele - para quem era e o que significava cada coisa desenhada. E olha que a letra está melhor do que a minha.

O que achei mais curioso foi o que minha mãe contou. Ela me disse que quando ele estava desenhando, falou: "tenho que desenhar muito porque o tio Netinho é artista". Bom, espero que eu esteja passando alguma coisa boa para frente, nem que seja somente o prazer de segurar em um lápis, rabiscar uma folha e, com isso, fazer alguém feliz.

Pensamento da semana

2011-05-22T12:13:00.001-03:00

"Ora, filosofemos em português sobre o desenho, pois é possível. Quando desenho, se “desenho-um-desenho”, isso faz nascer a obra, mas, ao mesmo tempo, quando sou eu-que-desenho, sou eu que nasço no próprio ato que crio. "Desenho" é uma palavra que subsume a condição existencial do eu com seu próprio ato. Para usar um "lacanês" válido: me torno meu significante; mais que isso, vou junto do significante que crio até, por um ato linguístico e lógico, tanto quanto existencial, sou o significante. Todo desenho, neste aspecto, pode ser explicado pela boa teoria de Marx sobre a ação humana: o homem é fruto do seu trabalho, o homem é a sua própria obra, ele é o que é por meio daquilo que faz."

Marcia Tiburi e Fernando Chuí, em Diálogo/Desenho.

Ela não é só um rostinho bonito

2011-05-20T12:13:00.002-03:00

"Sem título". Técnica mista sobre sketchbook, 2011.

Bom, se ela já foi um rostinho bonito, acho que isso já faz muito tempo...

Essa é mais uma daquelas famosas ilustrações cretinas para alegrar e comemorar a chegada do final de semana. Então não fique aí atoa. Afinal, há sempre alguma coisa boa para se fazer. Basta se propor a isso - e estar vivo, claro...

Cito aqui e faço minhas as palavras de Oscar Wilde: "viver é a coisa mais rara do mundo. A maioria das pessoas apenas existe."

Tudo junto e misturado

2011-05-19T22:30:00.000-03:00

"Sem título". Grafite sobre papel kraft, 2011.

Som muito alto, música eletrônica estourando meus miolos (e dos vizinhos também!) e pique acelerado, a todo vapor!

Enquanto preparava as telas para as próximas pinturas, fiz alguns dois sketches sem tanta preocupação com um trabalho mais formal. A cada intervalo que separa uma demão e outra, ataquei o meu sketchbook mais antigo, o que não possui quase nenhuma página em branco. Ele já foi costurado assim, com as páginas previamente sujas de tinta de maneira aleatória. Nele, todos os desenhos precisam ser feitos tendo em mente que o fundo vai colaborar – ou atrapalhar – na sua execução. Ou seja, é difícil precisar exatamente o resultado final. O acaso está sempre presente.
O engraçado é que por muito tempo este caderno ficou abandonado em alguma gaveta do guarda-roupa. Depois de ter o feito, desgostei do resultado e não tive muita vontade de usá-lo. Hoje, quatro anos depois, ele tem sido um dos meus maiores companheiros...

"Sem título". Grafite sobre papel kraft (página esquerda).

Fazendo tudo ao mesmo, tentei aproveitar cada minuto – já que o tempo está bem escasso – e acabei testando na prática o famoso dito popular: "enquanto descansa, carrega pedra!"

"Sem título". Grafite sobre papel kraft (página direita).

A bem da verdade, acho que gosto das coisas é assim mesmo.

Pelo menos enquanto eu aguentar o ritmo frenético, deixo o repouso para o lar dos velhinhos...

A brutalidade e o sensível

2011-05-16T08:00:00.028-03:00

Semana passada tive o prazer de participar da abertura de um projeto muito interessante.

Estou estagiando em uma escola pública e, aproveitando a semana cultural ocorrida nas escolas do DF, vi a inauguração do "Cine Club Centrão" (Centro Educacional 2 de Taguatinga, ou apenas Centrão, como é mais conhecido).

O projeto, pelo que entendi, é do Ministério da Cultura e beneficia as escolas com a aparelhagem para fazer sessões de cinema, desde que, em contrapartida, a escola se comprometa a fazer sessões periódicas, registradas em ata e com fotos.

O que achei interessante é que os filmes não são os conhecidos no circuito. São curtas feitos em Brasília, por cineastas e diretores daqui, que conhecem a cidade e que fazem um trabalho que vale a pena ser visto.

O curta que abriu o Cine Club foi o documentário "Oficina Perdiz", do diretor Marcelo dias. O filme mostra Perdiz, um senhor dono de uma oficina mecânica no Plano Piloto, um homem bruto (palavras citadas no filme), semianalfabeto que decide abrir espaço em seu local de trabalho para a arte. Sua oficina, que de dia é local de um ofício braçal, a noite virava o Teatro Perdiz, um local underground que dava oportunidade tanto para novos atores, quanto para grupos de teatro local mostrarem seu trabalho.

É curioso tentar entender como a arte surge dos locais mais inesperados, dando frutos doces para uns, e amargos para outros. Se por um lado, era um dos únicos lugares que pessoas mais humildes (ou não) tinham para ter contato com um programa cultural diferente, para as autoridades eram avaliadas apenas questões políticas de desapropriação de um local que estava ocupado pela mesma pessoa a mais de 40 anos.

O filme já foi exibido em diversas mostras e festivais nacionais e internacionais, ganhando muitos prêmios aqui e no exterior. Na ocasião, o diretor do filme estava presente e debateu sobre diversas questões, inclusive sobre as dificuldades de se trabalhar com arte e cultura.

Vale a pena parar um pouco e assistir, já que o curta não chega nem a 20 minutos de duração. Ele pode ser assistido pelo blog, na guia do "You Tube", ou direto do site por este link. Ele está dividido em duas partes porque o You Tube não aceita vídeos acima de 15 minutos.

Agora é só pegar a pipoca, apagar a luz e se divertir.

Pensamento da semana

2011-05-15T08:00:00.000-03:00

"Na época em que a criança é capaz de desenhar algo mais que rabiscos, ou seja, por volta dos três ou quatro anos de idade, um conjunto de conhecimentos conceituais, já bem estabelecidos e formulados em termos verbais, domina sua memória e controla seu trabalho gráfico (...). Os desenhos são exposições gráficas de processos essencialmente verbais. À medida que uma educação essencialmente verbal passa a dominar, a criança abandona seus esforços gráficos e passa a depender quase inteiramente de palavras. A linguagem primeiro estraga o desenho e, depois, engole-o completamente."

Karl Buhler, 1930.

Sexta-feira 13

2011-05-13T20:21:00.040-03:00

"Sexta-feira 13". Aquarela, lápis aquarelável e caneta colorida sobre papel canson 200 g/m2.

Vamos esquecer esse negócio de dia do azar.

Sexta feira 13 é dia de ir para a balada, curtir e aproveitar a noite.
Mas Juízo. Não vá perder a cabeça por aí...

Piadas cretinas a parte, finalizo rapidamente com o processo da ilustração acima.

Primeiramente, o esboço do esboço. Traços bem leves e geométricos apenas para definir o local de cada coisa com lápis 2h.

Depois, o esboço com as formas mais bem definidas com lápis hb.

Em seguida, as linhas reforçadas com caneta colorida preta.

Aqui, começando a colocar cor com caneta colorida.

E para o estágio final (a primeira imagem desta postagem), foi acrescentada aquarela e lápis aquarelável em alguns pontos.

Até a próxima sexta-querida-feira 13 aos que resistirem até lá...

Para lembrar de outras épocas

2011-05-12T21:41:00.000-03:00

"Sem título", nanquim e caneta colorida sobre papel kraft (sketchbook).

"Todas as pessoas grandes foram um dia crianças (mas poucas se lembram disso)."
Antoine De Saint-Exupéry, em O Pequeno Príncipe.

Um pouco de nostalgia não faz mal a ninguém. Essa manhã lembrando (não sei o porquê) do livro que não li na minha infância, mas que li depois de adulto com a criança que não morreu jamais em mim, fiz esse desenho rápido que me trouxe algumas boas lembranças e sensações.

Na verdade, não tive a intensão de ilustrar o livro - que para mim é o mais bem ilustrado que eu já vi. Apenas pensei nas pessoas que abandonaram pela estrada, em algum momento de suas vidas, talvez a melhor parte do que já foram.

Sempre há tempo de ser feliz como já se foi um dia. Basta se propor a isso...

8 de maio: dia do Artista Plástico

2011-05-08T12:15:00.002-03:00

Se ser mãe é padecer no paraíso, ser artista é permanecer (constantemente) no limbo!

Estudamos muito, trabalhamos ao extremo, somos consumidos pelo nosso ofício. Em contrapartida, recebemos pouco. Pouco dinheiro, pouco respeito, pouca aprovação.
Claro, esse ofício para nós é extremamente prazeroso, mas não deixa, de maneira nenhuma, de ser sério.

Buscamos esse reconhecimento que nem sempre obtemos de muitas formas, já que os julgamentos antecipados e errôneos são grandes entraves para isso. As pessoas, de modo geral, acham que conhecem, mas não chegam nem mesmo a olhar-nos como profissionais. É aquela velha história: que qualquer um seja artista, a não ser meu filho... Infelizmente, em nossa sociedade, vivemos o mito da genialidade - não apenas para arte, mas esta ilusão se aplica aqui perfeitamente. Ou você é um Michelangelo, um Rembrandt, um Dalí ou um Picasso, ou não é ninguém; ou é um gênio a frente de seu tempo ou é reduzido a nada.

Pois bem, estamos onde as pessoas menos imaginam. Os espaços, galerias, e museus são a meta de muitos, mas não são os únicos caminhos possíveis.
Estamos por trás da página da revista, ilustrando a leitura e tornando-a mais agradável.
Estamos nos bastidores da peça de teatro, construindo um cenário ou elaborando um figurino.
Estamos naquele filme que você gosta e que ganhou (ou não) o Oscar de melhor fotografia e/ou efeitos especiais.
Estamos naquela propaganda que te encantou ou que te fez rir.
Estamos até, anonimamente, na sua novela favorita, ajudando as personagens a ganhar vida e te emocionar ainda mais.
Enfim, podemos estar em tantos lugares e em tantas variadas funções, que o conceito de artista-filósofo - aquele que senta debaixo de uma árvore e fica horas esperando a inspiração descer como uma anunciação divina, fazendo-o produzir um trabalho como um ser fora do comum - deve ser repensado.

Para aqueles que sofrem, se angustiam e brigam consigo mesmo e com o mundo para torná-lo um lugar melhor para todos nós, mais agradável visualmente, conscientemente e intelectualmente, felicitações mais do que justas neste dia.

8 de maio: dia do Artista Plástico.

Em cores gritantes

2011-05-07T08:00:00.050-03:00

Como já disse em uma postagem anterior, é interessante pegar algum papel de cor diferente e arriscar/rabiscar para ver o resultado.

Em uma das páginas de um diário gráfico que é todo colorido, vi este verde gritante com uma mancha em um vermelho tão vivo que, combinado ao fundo, é quase uma agressão visual! A explicação (a grosso modo) é que por ser o vermelho uma cor complementar ao verde no círculo cromático, elas são opostas entre si. Isso causa esta estranha sensação ao olha-las juntas.

Comecei, então, a rabiscar com caneta nanquim e, posteriormente, coloquei um pouco de pastel branco nas regiões de luz, quase nada de aquarela nos lábios e menos ainda de sanguínea na mesma região, tentando alcançar um vermelho parecido com o que já estava na página, apenas para dar um contraponto. Há ainda um pouco de caneta colorida na região ocular, apenas para realçar um pouco o olhar (afinal, não é porque ela é verde que precisa ser desleixada...).

"Sem título". Técnica mista sobre papel colorido, 2011.

E, só para constar, não é a Mulher-Hulk. É apenas a cor do papel.

Estudos para pescoço e mandíbula

2011-05-06T21:08:00.004-03:00

Ow, semaninha difícil...
Demorada, estressante, massiva... Tava do jeito que o "sete-peles" gosta!

Mas, como a vida não pode parar e eu tenho prazos a cumprir, mais dois esboços bonitinhos para não perder o costume.

O primeiro, estudo de perfil com o pescoço descorticado. Nele é possível observar os músculos, as cartilagens e a tireoide. O tratamento de luz e sombra foi feito com hachuras mais marcadas, de modo que no resultado final elas ficassem bem visíveis, e não tanto esfumaçadas.

Já este outro é um dos estudos de descorticação irregular e assimétrica, pegando a parte inferior do rosto. Deixei mais aparente à região dos dentes e mandíbula, mas alguns músculos ainda ficaram expostos, como o corrugador do lábio superior, apesar dele também estar seccionado.

Os esboços para as próximas telas já estão prontos, mas continuarei a postar outros estudos, já que isto nunca é demais. É sempre bom se espelhar em quem é autoridade no assunto. Picasso - que dispensa comentários - chegava a encher um caderno inteiro com desenhos para uma única tela. Ou seja, tenho ainda muito trabalho pela frente e, assim, muitos sketches para mostrar...

Passo a passo

2011-05-04T16:13:00.000-03:00

Este desenho foi feito em técnica mista, aproveitando um intervalo de hoje de manhã.

Como utilizei pastel, prefiro um papel que não seja muito "limpo". Não que isso seja obrigação, mas como o pastel é um tipo de giz que é praticamente o pigmento puro, ele risca quase todas as superfícies. Por isso, gosto de aproveitar a cor do papel, as manchas, marcas, rabiscos, amassados ou o que quer que o papel contenha.

Aproveitei uma página de um dos meus sketchbooks artesanais - o primeiro que eu fiz - em que quase todas as páginas foram previamente sujas com tintas variadas e de maneira aleatória antes de encadernar.

Em seguida, fiz um esboço leve usando pastel branco para delinear o desenho.

Reforcei, então, as linhas brancas porque pretendia que o desenho fosse feito apenas com pastel branco.

Mas quando me dei conta já tinha começado a rabiscar levemente o rosto. Aí não teve mais jeito, tive que continuar por esse caminho.

Por fim, reforcei um pouco mais a cor da pele, colori a flor de uma cor que se destacasse no fundo azul e reforcei os detalhes dos olhos, boca, sobrancelhas e cabelo usando lápis sanguínea, sépia, nero e carvão.

"Sem título". Pastel, carvão, sépia e sanguínea sobre papel.

É sempre bom achar que está no controle da situação e ver que, de um momento para outro, tudo muda. Assim como na vida, esse é o momento lidar com o inesperado e achar uma solução boa e criativa para o problema.

Pensamento da semana

2011-05-01T09:53:00.000-03:00

Sobre a pintura: "não conheço nada que, sem cansar o corpo, absorva a mente de modo tão completo. Quaisquer que sejam as preocupações do momento ou as ameaças do futuro, logo que a figura começa a fluir não há espaço para elas na tela mental. Elas passam para o campo inconsciente da sombra e da escuridão. Toda luz mental da pessoa se concentra no trabalho. O tempo fica respeitosamente à distância."

Winston Churchill, em Painting as a pastime.

Sketch no metrô

2011-04-29T21:30:00.000-03:00

Essa semana precisei andar de metrô e como consegui a proeza de ir sentado (sem precisar deixar nenhuma tiazinha de pé), acabei fazendo um sketch rápido de dentro do vagão. Claro, não preciso nem dizer que a hora e o sentido do trem ajudaram muito, já que no horário de rush, se eu conseguisse ir sentado - o que já seria um milagre! - de tão cheio, desenhar seria impossível (a não ser que eu quisesse esquematizar a barriga de alguém).

Coloquei aqui três etapas diferentes para que se veja que é possível fazer um trabalho legal mesmo que o ambiente não seja muito favorável. Neste caso, foi o metrô, mas poderia ser também um ônibus, um carro ou um lugar público muito congestionado.

Este primeiro desenho, foi feito apenas dentro do vagão.

Depois, já em casa, cobri as linhas com caneta nanquim e adicionei alguns detalhes que tinham no ambiente e outros que imaginei para melhorar a composição.

Por último, colori a ilustração com caneta colorida. Em algumas partes fiz questão de colocar as mesmas cores do ambiente. Em outras, como não lembrava mais do que algumas pessoas usavam, por exemplo, coloquei cores mais aleatórias.

É obvio que a imagem ficou bastante estilizada, mas minha intenção não era nada além disso - mesmo porque ela foi feita no meu menor caderno, ou seja, tem apenas 10,5 x 5,5 cm. Eu não quis representar as coisas de maneira tão simétrica e proporcional como em uma foto. Quis apenas registrar aquele momento de uma maneira que sei que ao olhar o desenho novamente, lembrarei exatamente daquele dia.

Este é um recurso muito usado por artistas, ilustradores, designers ou arquitetos para fazer trabalhos 'sérios': partir de um esboço de poucos minutos e passá-lo a limpo em outro suporte, reduzindo, ampliando ou até escaneando a imagem para trabalhá-la com softwares digitais.

Meu próximo desafio e desenhar na garupa de uma moto para ver o resultado.
É sacanagem, claro. Mas se as coisas continuarem como estão, em breve até os motoqueiros ficarão parados no trânsito. Aí, sim, não será nada impossível...

Ilustrando a leitura

2011-04-28T22:01:00.000-03:00

Relendo um dos poemas do maior poeta que o Brasil já viu, Carlos Drummond de Andrade, comecei rabiscando sem muitas pretensões - e até sem me dar conta do que fazia - a ilustrá-lo.

É sempre arriscado dar materialidade a algo que se encontra apenas em visões geradas por palavras e seus diversos significados. Não se trata nem mesmo de tanta representar exatamente o que o escritor quis dizer, já que, depois de escrito, o texto adquire vida própria sob o olhar de quem o lê, não tendo mais apenas a visão de seu criador. A questão é que - citando o tão conhecido dito popular - se uma imagem vale por mil palavras, há também, em alguns casos como o do poema a que me refiro, ocasiões em que poucas palavras valem por muito mais de mil imagens.

Então, antes de mais nada, deixo logo o meu pedido de desculpas aos mais 'xiitas' que provavelmente não gostarão do trabalho. Eu mesmo acho que tais palavras merecem muito mais do que eu posso representar. Mas como exercício, bem como na tentativa de compartilhar da tão bela visão do poeta, creio que ser válido o esforço.

Abaixo, a ilustração sobre um dos cadernos artesanais feita em técnica mista - nanquim, pastel, carvão, aquarela, acrílica, spray e colagem (aproveitei que tinha o texto impresso e colei-o também na página). E, para concluir, o poema de Drummond.

"O chão é cama", técnica mista sobre papel, 2011.

O Chão é Cama

O chão é cama para o amor urgente,
amor que não espera ir para a cama.
Sobre tapete ou duro piso, a gente
compõe de corpo e corpo a úmida trama.

E para repousar do amor, vamos à cama.